El Museo militar de Tasmania se encuentra dentro de varios cuarteles en Hobart, Tasmania, Australia. Construido en 1814, es reconocida como una de las más importantes zonas históricas militares de Australia.
El Museo está ubicado en la cárcel militar que fue construido en 1847.
El edificio ha sufrido pocos cambios desde el momento en que se
construyó a pesar de sus múltiples usos, incluso como Reformatorio de
jóvenes, un cuarto matrimonial, un almacén y oficinas.
Las exhibiciones incluyen elementos de la época colonial, cuando el ejército británico ocupó el cuartel para varios operativos.
El Museo nacional de Birmania o Museo nacional de Myanmar está situado en Dagon, Yangon (Rangún), es el principal museo de arte birmano, de historia y de cultura en Birmania (Myanmar). Fundado en 1952,
el museo de cinco pisos cuenta con una extensa colección de objetos
antiguos, adornos, obras de arte, inscripciones y objetos de interés
histórico, relacionados con la historia, la cultura y la civilización
del pueblo birmano.
El Museo Nacional de Colombia es el museo más antiguo de Colombia.
Su acervo se divide en cuatro colecciones: arte, historia, arqueología y
etnografía. Su colección de arte colombiano, latinoamericano y europeo
incluye pinturas, dibujos, grabados, esculturas, instalaciones y artes
decorativas desde el período colonial hasta la actualidad. Su inmueble
fue originalmente la penitenciaría del panoptico, siendo su arquitecto
el danés Thomas Reed. Frente al museo se encuentra la estación subterránea de TransMilenio que lleva su mismo nombre "Museo Nacional".
Historia
Fundado
por Ley del primer Congreso de la República el 28 de julio de 1823, el
Museo Nacional de Colombia es el más antiguo de los museos del país y
uno de los más antiguos de América.
Durante casi dos siglos se ha consagrado a la conservación y
divulgación de testimonios representativos de los valores culturales de
la Nación colombiana.
Abrió sus puertas al público el 4 de julio de 1824, fecha en que el vicepresidente, general Francisco de Paula Santander lo declaró oficialmente creado, siendo su primer director el científico y anticuario peruano Mariano Eduardo de Rivero y Ustáriz.
Rivero había sido contratado en mayo de 1822 en París por Francisco
Antonio Zea, Ministro Plenipotenciario de Colombia, a fin de constituir
una Escuela de Minería y un Museo de Historia Natural en la capital de
la nueva república. El Museo Nacional de Colombia se instaló
inicialmente en la Casa Botánica, la cual albergaba la colección de
historia natural reunida por José Celestino Mutis y que cuidaban sus
discípulos. Con el tiempo, a estas piezas se sumaron otras de carácter
arqueológico, histórico y artístico.
A lo largo de su historia, el Museo Nacional de Colombia ha ocupado
diversas sedes. Desde su fundación y hasta 1842 ocupó la antigua Casa
Botánica -hoy desaparecida-; de 1845 a 1913, el edificio de las Aulas
-Museo de Arte Colonial de Bogotá-; de 1913 a 1922, el Pasaje Rufino Cuervo -hoy desaparecido-; de 1922 a 1944, el edificio Pedro A. López
-hoy Ministerio de Agricultura y Desarrollo Rural-; y de 1948 hasta la
fecha, las instalaciones de la antigua Penitenciaría Central de Cundinamarca, conocida como “Panóptico”.
Busto de Epifanio Garay, en el costado suroccidental del Museo.
La anteriormente mencionada penitenciaría, diseñada por Thomas Reed
en la década de 1850 y construida a partir del 1 de octubre de 1874,
fue la prisión más importante del país durante casi 72 años. Sin
embargo, en 1946 los reclusos fueron trasladados a la nueva cárcel La Picota y el Gobierno destinó el edificio para albergar el Museo Nacional.
El Panóptico, luego de ser restaurado y adecuado bajo la dirección de los arquitectos Manuel de Vengoechea y Hernando Vargas Rubiano,
fue inaugurado como sede del Museo Nacional de Colombia el 2 de mayo de
1948. Dado que el edificio reúne valores arquitectónicos, el gobierno
lo declaró Monumento Nacional, el 11 de agosto de 1975.
Entre 1989 y 2001, se adelantó el Proyecto de Restauración Integral
del Edificio, que culminó el primer semestre del 2001 y fue inaugurado
oficialmente el 28 de julio, con la apertura de la totalidad de las
salas de exhibición del Museo.
Actualmente, las Unidades Administrativas Especiales, Museo Nacional de Colombia e Instituto Colombiano de Antropología e Historia (Icanh), dependientes ambas del Ministerio de Cultura de Colombia, son las encargadas de la administración, conservación y difusión de las colecciones que integran el Museo.
Colección
Posee óleos y esculturas de Fernando Botero, Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos, Andrés de Santa María, Fídolo González Camargo, Roberto Páramo, Rómulo Rozo, Marco Tobón Mejía, Francisco Antonio Cano, Gustavo Arcila Uribe, José Domingo Rodríguez, Alejandro Obregón, Enrique Grau, Edgar Negret, Eduardo Ramírez Villamizar, Santiago Martínez Delgado, Ricardo Gómez Campuzano, Roberto Pizano, Guillermo Wiedemann y Álvaro Barrios, entre otros. Conserva la mayor colección iconográfica de Simón Bolívar en América Latina con numerosos óleos, dibujos y grabados elaborados por José María Espinosa y Pedro José Figueroa, entre otros.
Fachada del Museo en 2010.
También alberga las esculturas en mármol El silencio y La poesía, homenaje al poeta bogotano José Asunción Silva de Marco Tobón Mejía; El sermón del monte, de Arcila Uribe, premiada en el Instituto de Arte de Chicago en 1922; el Golpeador del Paraíso, de Rómulo Rozo, premiada en París en 1925; y las esculturas Eva y Angustia, de José Domingo Rodríguez.
Dentro de su colección de arte internacional se destacan piezas como una ánfora griega, relieves funerarios egipcios, algunos cuadros flamencos y holandeses, más de un centenar de piezas de arte africano y óleos de artistas latinoamericanos como los venezolanos Arturo Michelena y Armando Reverón.
Su colección etnográfica incluye cerca de cuatro mil piezas
procedentes de toda Colombia y la colección arqueológica, con cerca de
diez mil piezas de todas las culturas prehispánicas del país, incluye
una bóveda de orfebrería precolombina.
La colección histórica, incluye numerosas piezas procedentes no sólo
de Colombia, sino de América Latina, como el estandarte usado por Francisco Pizarro al conquistar Perú a comienzos del siglo XVI; el manto de una de las esposas del inca Atahualpa; la corona en oro, diamantes y perlas obsequiada a Simón Bolívar en Cuzco y su testamento manuscrito, entre otros miles de objetos.
Luego de la facultad de ciencias de la Universidad Nacional y del Museo del Oro del Banco de la República, con treinta mil piezas, el Museo Nacional es la tercera colección pública más grande de Colombia.
Salas de exposición permanentes
El
Museo Nacional de Colombia presenta las colecciones de historia, arte,
antropología y etnografía en diecisiete salas permanentes distribuidas
en tres pisos.
En 2010 inició un proceso de renovación de salas, siendo la primera
renovada la número siete, denominada "Memoria y Nación," en 2014, y la
última, la sala trece, "Tierra como Recurso", en 2016.
La Casa de los Esclavos (en francés: Maison des Esclaves) es un museo y un monumento a la trata de esclavos en el Atlántico en la pequeña isla de Gorea, a 3 km de la costa de la ciudad de Dakar, Senegal. Su museo, inaugurado en 1962
y administrado hasta su muerte en 2009 por Boubacar Joseph Ndiaye, se
dice que recuerda el punto de salida final de los esclavos de África.
Los historiadores difieren sobre cuantos, o si todos los esclavos
africanos pasaron en realidad en este edificio, así como la importancia
relativa de la isla de Gorea como un punto de la trata de esclavos del
Atlántico,
pero los visitantes procedentes de África, Europa y las Américas, junto
con los líderes del mundo, lo mantienen como un lugar importante para
recordar el coste humano de la esclavitud africana.
El Centro Ana Frank de Berlín (en alemán: Anne Frank Zentrum) es una instalación que se encuentra en Berlín, Alemania
que se ha comprometido a promover una sociedad variada y animada y a
trabajar contra el antisemitismo, los prejuicios y cualquier tipo de
discriminación contra las personas.
La fundación del Anne Frank Zentrum en Berlín se remonta a una iniciativa en 1994. En el momento de la proyección de la exposición itinerante internacional "El mundo de Ana Frank Desde 1929 hasta 1945"
que se estaba preparando en Berlín. La exposición se mostró en seis
distritos de la ciudad para conmemorar el 50 aniversario de la
liberación del régimen nazi.
Específicamente para apoyar la coordinación de la exposición y el
amplio programa que la acompaña una Sociedad de Amigos fue fundada.
Con esta organización de base, se hicieron esfuerzos hacia la
fundación del Anne Frank Zentrum en Berlín por lo que se trabajó para
que los temas de la exposición pudiesen continuar. Para ello, el Centros
existentes en Gran Bretaña y los EE.UU. ofrecieron orientación.
Al término de un acuerdo de cooperación con la Casa de Ana Frank en Ámsterdam el Anne Frank Zentrum finalmente se abrió el 12 de junio de 1998.
Desde entonces, numerosos visitantes, grupos de jóvenes y clases
escolares han estado viniendo al Anne Frank Zentrum desde Berlín y de
todo el país. Desde septiembre de 2002, el Anne Frank Zentrum se ha establecido al lado del Hackesche Höfe en 39 Rosenthaler Strasse en Berlín.
Desde el 4 de noviembre de 2006
la nueva exposición permanente " Ana Frank . Aquí y ahora " se puede
ver en el Anne Frank Zentrum . Es una exposición sobre la historia y el
presente. Cuenta la historia de la vida personal de Ana Frank y la
conecta con el mundo que ella vivió.
Robert Anthony De Niro Jr. (Nueva York; 17 de agosto de 1943), más conocido como Robert De Niro, es un actor, director y productor de cine estadounidense.
Ganador de dos premios Óscar por su actuación en las películas Toro salvaje y El padrino II. Es ampliamente conocido por sus papeles de gánster y de personajes conflictivos y turbulentos, destacando sus múltiples colaboraciones con el director Martin Scorsese, y por sus primeros trabajos con el director Brian De Palma.
Durante su carrera ha interpretado a personajes de toda clase de géneros, así como de terror, drama e incluso de comedia. Sus interpretaciones más destacadas se encuentran en cintas como El Padrino II (1974), Taxi Driver (1976), The Deer Hunter (1978), Toro salvaje (1980), Érase una vez en América (1984), Los intocables de Eliot Ness (1987), Goodfellas (1990), Despertares (1990), El cabo del miedo (1991), Casino (1995) y Heat (1995).
Primeros años
Robert De Niro nació en Greenwich Village, Nueva York, hijo de Virginia Holton Admiral, pintora y poeta, y Robert De Niro Sr., pintor expresionista abstracto y escultor. Su padre era de ascendencia italiana e irlandesa, y su madre era de ascendencia inglesa, alemana, francesa y holandesa. Sus bisabuelos italianos, Giovanni De Niro y Angelina Mercurio, emigraron de Ferrazzano, provincia de Campobasso, Molise.
Sus padres, quienes se conocieron en clases de pintura de Hans Hofmann en Provincetown, Massachusetts, se divorciaron cuando él tenía tres años de edad. De Niro fue criado por su madre en Little Italy, barrio de Manhattan,
y en Greenwich Village. Su padre vivía a algunas manzanas de distancia;
y también pasaba mucho tiempo con él. Asistió a PS 41, una escuela
primaria pública de Manhattan, hasta el sexto curso, y después fue a la
privada Elisabeth Irwin High School en séptimo y octavo curso. Fue
aceptado en el Instituto de Música y Arte para el noveno curso, pero
solo asistió durante un corto periodo y luego fue transferido a un
instituto público. Comenzó la secundaria en la privada McBurney School,
y más tarde asistió a la Rhodes Preparatory School, pero no se graduó.
En su juventud recibió el apodo de "Bobby Milk" (Bobby leche) debido a
su tez pálida,
el joven De Niro pasaba el tiempo con un grupo de chicos en la calle en
Little Italy, y con algunos de ellos continuó la amistad durante mucho
tiempo. Los indicios de su carrera se vieron en su debut en una obra a
los diez años, interpretando al León Cobarde en una producción escolar de El mago de Oz.
Además de encontrar alivio a su timidez mediante la actuación, De Niro
también estaba interesado en las películas, y abandonó la secundaria a
los 16 años para dedicarse a la actuación. De Niro estudió actuación en
el Stella Adler Studio of Acting y en Actors Studio de Lee Strasberg.
Carrera cinematográfica
Con veinte años de edad, en 1963, De Niro hace su primera intervención cinematográfica junto al director Brian De Palma en la película The Wedding Party, que sin embargo no se estrenó hasta 1969. Esta sería la primera colaboración con Brian De Palma, director con el que De Niro entablaría una gran amistad. Durante los años 60, hizo varios trabajos en el teatro, y en 1965 trabaja como extra en la película francesa Trois Chambres À Manhattan. En 1968, volvió a ser contratado por Brian De Palma e hizo su debut en el cine con la película Saludos. En 1970 también participó en una película de De Palma, ¡Hola mamá!.
A De Palma le encantaban las contribuciones que De Niro hizo junto a
él en sus películas, y entonces el director sería el encargado de
presentar a los demás directores a De Niro como un gran actor. Entonces
gracias a su amistad con De Palma logró en el año 1973 obtener un papel
en la película Muerte de un jugador, con el que ganaría cierta popularidad. En ese mismo año empezó una prolífica colaboración con el también director Martin Scorsese en la película Malas calles.
De Niro y Scorsese también cosecharon una buena relación, con la que darían fruto películas como Taxi Driver (1976), New York, New York (1977), Toro salvaje (1980), El rey de la comedia (1983), Goodfellas (1990), El Cabo del Miedo (1991) y Casino (1995).
Robert de Niro en 1988.
En la mayoría de estas películas, De Niro interpretó personajes emocionalmente inestables con tendencias sociopáticas. Taxi Driver es particularmente importante, pues su actuación del personaje de Travis Bickle le valió la fama mundial, y unió para siempre el nombre de De Niro con el famoso monólogo "¿Me estás hablando a mí?".
En 1974, De Niro participa en El Padrino II, dirigida por Francis Coppola, en el papel del joven Don Vito Corleone. En la primera entrega este personaje fue interpretado por Marlon Brando
y de hecho se negoció con el actor para que volviese a interpretar el
papel en la segunda parte, pero debido a que tenía problemas con la productora, rechazó el papel. Su actuación le dio su primer Óscar al mejor actor de reparto. Curiosamente De Niro y Marlon Brando
son los únicos actores que han ganado un Óscar interpretando al mismo
personaje, Brando ya lo había ganado (aunque lo rechazó) por interpretar
al viejo Vito Corleone en El Padrino. Curiosamente De Niro había audicionado para el papel de Sonny Corleone, papel tomado por el actor James Caan.
En 1976, De Niro aparece junto con Gérard Depardieu en la película de Bernardo Bertolucci, Novecento. En 1978, interpreta a Michael Vronsky, en el aclamado film sobre la guerra de Vietnam, The Deer Hunter. Otra notable actuación fue en el papel del gánster judío David Aaronson en la película Érase una vez en América de Sergio Leone.
Robert de Niro en 1993
En 1980, rueda Toro salvaje. Su papel de Jake La Motta
en esta película es considerada como una de las diez mejores
interpretaciones de la historia del cine y le valió para ser galardonado
finalmente con el Óscar al mejor actor.
Temiendo encasillarse en este tipo de personajes duros y
conflictivos, De Niro empieza a hacer trabajos diferentes y
ocasionalmente papeles de comedia, donde obtuvo mucho éxito con
películas como Huida a medianoche (1988), La cortina de humo (1997), Analízate (1999), Los padres de ella (2000) y Los padres de él (2004).
Robert de Niro en el Festival de Berlín de 1998.
Otras de sus películas son: Enamorarse (1984), La misión (1986), El corazón del ángel (1987), Despertares (1990), Mary Shelley's Frankenstein (1994), Sleepers (1996), y Ronin (1998). En 1993, actuó en This Boy's Life, con el aquel entonces actor infantil Leonardo DiCaprio y la actriz Ellen Barkin. Alrededor de este tiempo, se le ofreció el papel de Mitch Leary en En la línea de fuego frente a Clint Eastwood, De Niro rechazó el papel y quedó en manos de John Malkovich (quien recibió una nominación al Óscar por este papel), debido al compromiso de dirigir su primera película, Una historia del Bronx. Ese mismo año recibe el León de Oro especial del Festival de Venecia, por los méritos obtenidos a largo de su carrera cinematográfica.
En 1995, De Niro protagonizó en la cinta de acción policial de Michael Mann, Heat, junto con su colega y amigo de mucho tiempo, Al Pacino.
El dúo atrajo la atención de los medios, ya que el talento y renombre
de ambos ha sido comparado a lo largo de sus carreras. Aunque ambos,
Pacino y De Niro protagonizaron El Padrino II, en aquel entonces nunca compartieron tiempo de pantalla y en Heat
fueron escasas las escenas que interpretaron juntos, fomentando el
falso rumor de una rivalidad profesional y personal entre ambos íconos
del cine.
Volvió a unirse con Harvey Keitel y Ray Liotta, pero en esta ocasión junto con Sylvester Stallone en el drama criminal Tierra de Policías (1997). De Niro desempeñó un papel secundario, dejando los principales a Stallone, Keitel y Liotta. En 1996, interpretó a Gil Renard, un fanático loco en The Fan.
Robert De Niro en 2011.
En 2000, interpretó a Leslie William "Billy" Sunday, un Suboficial alcohólico y racista en Hombres de honor. En 2004, De Niro prestó su voz para interpretar a "Don Lino", el villano en la película de animación Shark Tale, junto a Will Smith. También repitió su papel de Jack Byrnes en Los Fockers, y apareció en Stardust.
Todas las películas aunque tuvieron moderado éxito en la taquilla, De
Niro recibió críticas mixtas y fue denostado por la crítica que
argumentaba que el actor había dejado de aparecer en cintas de contenido
dramático y de dar las notables interpretaciones como las del pasado,
inclusive fue juzgado de descuidar el material en que aparecía. Cuando
se encontraba haciendo promoción para Shark Tale, De Niro dijo
que era su primera experiencia prestando su voz para un film animado, y
recalcó que fue un momento agradable en su carrera.
De Niro tuvo que rechazar un papel en Los Infiltrados (Martin Sheen tomó el papel en su lugar) debido a los compromisos con la preparación de El buen pastor. Al respecto mencionó: "Yo quería. Me gustaría haber podido, pero estaba preparando tanto El buen pastor
que no tuve el tiempo necesario. Estaba tratando de hacerlo de alguna
forma mientras preparaba la cinta. Simplemente no fue posible".
En 2007 volvió a trabajar como director en la cinta El buen pastor, protagonizada por Matt Damon junto con Angelina Jolie. La película también le reunió en pantalla con su amigo Joe Pesci, con quien había colaborado en Toro Salvaje, Goodfellas, Una historia del Bronx, Érase una vez en América y Casino.
En 2008 se estrenó el filme policiaco titulado Righteous Kill en el que actúa junto a Al Pacino por vez primera durante todo el largometraje.Al año siguiente, estelarizó el drama Todos están bien, junto a Drew Barrymore y Kate Beckinsale, la cinta es un remake del clásico de 1990 Stanno tutti bene de Giuseppe Tornatore. En 2010, aparece en la cinta de acción Machete de Robert Rodriguez junto a un elenco encabezado por Danny Trejo, Michelle Rodríguez, Jessica Alba y Steven Seagal; aparece en Little Fockers, otra secuela de Meet the Parents y en el thriller Stone con Milla Jovovich y Edward Norton.
En 2011, De Niro aparece en la cinta de acción Killer Elite junto a Jason Statham y Clive Owen, en la adaptación de la novela Limitless junto a Bradley Cooper, y en New Year's Eve una comedia romántica dirigida por Garry Marshall. Más de tres décadas después de la cinta Novecento de Bernardo Bertolucci, De Niro estelariza en uno de los tres episodios de la cinta italiana Manuale d'amore 3, con Monica Bellucci, elaborada por el italiano Giovanni Veronesi.
A partir de 2012, De Niro aparece en las cintas Silver Linings Playbook, Freelancers, Red Lights, Being Flynn, The Big Wedding, Killing Season, The Family, Last Vegas, Grudge Match y The Bag Man. Recibió una nominación al Óscar por Silver Linings Playbook. En Killing Season comparte pantalla por primera vez con John Travolta. En la comedia de boxeo Grudge Match, De Niro se reúne con Sylvester Stallone, bajo la dirección de Peter Segal. Entre sus proyectos a futuro están la cintas Manos de piedra, The Intern y The Irish Man.
En 2017 apareció en la película de HBO Wizard of Lies, interpretando al estafador Bernard Madoff.
Método
En
sus mejores épocas, De Niro era reconocido por su compromiso en la
interpretación de los papeles, por su técnica metódica de actuación y
por el intenso estudio de los antecedentes o rasgos físicos y
psicológicos de los personajes a interpretar.
A pesar de ser zurdo, siempre escribe o realiza distintas actividades con la mano derecha cuando el personaje que encarna es diestro. Aumentó 27 kilos de peso y aprendió a boxear para interpretar a Jake La Motta en Toro salvaje.Pasó cuatro meses en Sicilia aprendiendo a hablar el dialecto siciliano para interpretar a Don Vito Corleone en El Padrino II, ya que parte de los diálogos que su personaje habla en la película son en esa lengua italiana. Aprendió a tocar el saxofón para New York, New York. Se hizo entradas en el cabello y aumentó varios kilos para interpretar a Al Capone en Los intocables de Eliot Ness. Trabajó como taxista cuatro semanas para la película Taxi Driver. Antes de la filmación de Cape Fear,
pagó a un dentista para darle un aspecto maltratado a sus dientes para
el papel del montañés exconvicto Max Cady, después de la filmación pagó
para arreglarlos.
Vida privada
De
Niro se casó con su primera esposa, Diahnne Abbott, en 1976. Ambos
tienen un hijo llamado Raphael. De Niro adoptó además a la hija de
Abbott nacida de un matrimonio anterior llamada Drena. Su matrimonio con
Diahnne finalizó en 1988.
De su relación con la modelo Toukie Smith tiene dos hijos gemelos,
Julian Henry y Aaron Kendrick (concebidos gracias a la fecundación in
vitro y una madre de alquiler).
En 1997 De Niro se casó por segunda vez con la también actriz Grace
Hightower. De este matrimonio tiene dos hijos, su hijo Elliot nació en
1998 y en 2011 (de nuevo mediante fecundación in vitro y una madre de
alquiler) su hija Helen Grace.
De Niro con su esposa, Grace Hightower en 2010.
A finales de los años 1980 De Niro comenzó a invertir en el área de TriBeCa en Nueva York, incluyendo el estudio de cine TriBeCa Productions y el festival de cine TriBeCa Film Festival.
A finales del 1997, De Niro se casó con su segunda mujer, Grace
Hightower, una antigua azafata diez años más joven. Tuvieron un hijo,
Elliot, en 1998. La pareja solicitó el divorcio por diversas disputas,
sin embargo, el divorcio nunca fue realizado y en 2004 se renovaron sus
votos. En diciembre de 2011, Hightower y De Niro dieron la bienvenida a
su hija Helen Grace.
De Niro apoya firmemente al Partido Demócrata, y prestó apoyo explícitamente a Al Gore en las elecciones presidenciales del año 2000, y a John Kerry en las de 2004. En 1998 se pronunció en contra del juicio político instaurado al presidente Bill Clinton, como amigo personal de la familia Clinton.
En 2003 le diagnostican cáncer de próstata. Este hecho le llevó a pasar por los quirófanos,
pues optó por someterse a una cirugía. Su padre murió en 1993 a los 71
años de edad, víctima de cáncer, y desde entonces se somete
constantemente a chequeos médicos.
En marzo de 2016, De Niro revela a la prensa que su hijo Elliot de 18
años sufre de autismo. Declara que si bien mantiene su vida privada
lejos de la mirada pública, ha comentado que da a conocer esto por el
bien de su hijo y de otros afectados por esta patología.
Filmografía
Artículo principal:Anexo:Filmografía de Robert De Niro
Anna Pávlovna Pávlova (ruso: Анна Павловна Павлова, calendario gregoriano: 12 de febrero de 1881 - 23 de enero de 1931), fue una famosa bailarina de ballet rusa de inicios del siglo XX. .
Biografía
Anna Pávlova en 1912.
Nació en San Petersburgo
en el seno de una familia campesina de bajos recursos. Ella declaró que
su padre murió cuando ella tenía dos años de edad. Es posible que fuese
hija ilegítima, y los biógrafos especulan que su padre pudo ser el
banquero Lázar Polyakov, lo que explicaría su deseo de no hablar mucho
de su herencia paterna. Cuando tenía ocho años fue rechazada de la Escuela del Ballet Imperial por no tener suficiente edad. Pero dos años más tarde fue admitida y tuvo una notable presencia en el Teatro Mariinsky con Pável Gerdt, Christian Johansson y Eugenia Sokolova quienes la formaron en el ballet clásico. Debutó en la compañía el 1ro de julio del año 1899 con la Virgen Vestal y permaneció ahí hasta los 16. En los primeros años de los Ballets Rusos trabajó brevemente con Serguéi Diáguilev antes de fundar su propia compañía y presentarse por todo el mundo.
En 1909 recorrió Europa
con los ballets de Serguéi Diáguilev y dos años más tarde formó su
propia compañía. Unió sus aptitudes coreográficas y grandes dotes de actriz. Aportó muchas innovaciones creadoras. Sobresalió esencialmente en la interpretación de los ballets románticos. En 1919, durante una gira por México, Pávlova fue una de las primeras bailarinas clásicas en ejecutar el Jarabe Tapatío, vestida con la indumentaria de china poblana.
Pávlova cambió para siempre el ideal de las bailarinas. En los años 1890, se esperaba de las bailarinas del Teatro Mariinski
que fueran técnicamente fuertes, y esto significaba, normalmente, tener
un cuerpo poderoso, musculoso y compacto. Pávlova era delgada, de
apariencia delicada y etérea, perfecta para los papeles románticos como Giselle. Sus pies eran extremadamente arqueados, tanto es así que reforzó sus zapatillas pointe
agregando un pedazo de cuero duro en las suelas para soportar y aplanar
el cuerpo del zapato. En ese tiempo, muchos se dieron cuenta de sus
ideas y lo consideraron una de las creaciones más ingeniosas para
ocultar la plataforma del boxy. Pues éste se convertiría en el zapato pointe moderno, mientras que el empleo de la técnica en pointes funcionó menos dolorosamente y más fácilmente para el pie arqueado.
Anna Pávlova en La muerte del cisne.
Su número más famoso fue La muerte del cisne, coreografiado para ella por Michel Fokine, con música de Camille Saint-Saëns
estrenada en 1905 en San Petersburgo y presentada en el Metropolitan
Opera House de Nueva York cinco años más tarde . Otras interpretaciones
en las que destacó fueron El lago de los cisnes, Giselle, Las Sílfides y Coppélia.
Anna Pávlova falleció de pleuresía en La Haya, Países Bajos, pocos días antes de cumplir 50 años, mientras estaba de gira. Su último deseo fue que le pusiesen su traje para La muerte del cisne, y sus últimas palabras fueron: "Tocad aquel último compás muy suavemente".
De acuerdo con la tradición del ballet, en el día que ella tenía que
actuar después, el espectáculo fue programado, con un solo proyector que
iluminaba el escenario vacío donde debería estar la bailarina. Fue cremada, los servicios fúnebres se hicieron en la Iglesia Ortodoxa Rusa de Londres y fue incinerada en el Crematorio de Golders Green de esa misma ciudad, donde reposan sus cenizas.
El postre «Pávlova» fue llamado así por ella, si bien sus orígenes son discutidos. Tanto Nueva Zelanda como Australia reclaman el crédito.
Ruth St. Denis, una popular bailarina moderna dijo:
Pavlova vivió en el umbral del cielo y de la tierra como intérprete de los caminos de Dios.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (Leiden, 15 de julio de 1606-Ámsterdam, 4 de octubre de 1669) fue un pintor y grabador neerlandés. La historia del arte le considera uno de los mayores maestros barrocos de la pintura y el grabado, siendo con seguridad el artista más importante de la historia de los Países Bajos. Su aportación a la pintura coincide con lo que los historiadores han dado en llamar la edad de oro neerlandesa, el considerado momento cumbre de su cultura, ciencia, comercio, poderío e influencia política.
Habiendo alcanzado el éxito en la juventud, sus últimos años
estuvieron marcados por la tragedia personal y la ruina económica. Sus
dibujos y pinturas fueron siempre muy populares, gozando también de gran
predicamento entre los artistas y durante veinte años se convirtió en
el maestro de prácticamente todos los pintores neerlandeses. Entre los mayores logros creativos de Rembrandt están los magistrales retratos que realizó para sus contemporáneos, sus autorretratos y sus ilustraciones de escenas bíblicas.
En sus autorretratos, especialmente, se observa siempre la mirada
humilde y sincera de un artista que trazó en ellos su propia biografía.
Rembrandt tenía un profundo conocimiento de la iconografía
clásica y en sus pinturas y grabados solía interpretarla libremente
para ajustarla a su propia experiencia. Así, en la representación de una
escena bíblica Rembrandt solía combinar su propio conocimiento del
texto con su particular concepto de la composición clásica y algunas observaciones anecdóticas de la población judía de Ámsterdam. Por la empatía con que retrató la condición humana, Rembrandt ha sido considerado «uno de los grandes profetas de la civilización».
Ningún artista combinó nunca tan delicada habilidad con tanta energía y poder. Diccionario Biográfico Chambers.
Vida
Autorretrato con capa y ojos muy abiertos, aguafuerte y buril, 1630.
RembrandtHarmenszoon van Rijn nació el 15 de julio de 1606 en Leiden, Países Bajos.
Fue el noveno hijo del matrimonio formado por Harmen Gerritszoon van
Rijn y Cornelia (llamada familiarmente Neeltgen) Willemsdochter van
Zuytbroeck. De familia acomodada —su padre era molinero y su madre la hija de un panadero, profesiones entonces muy lucrativas—, Rembrandt recibió su educación básica en latín, y posteriormente asistió a la Universidad de Leiden. Según sus coetáneos, el joven ya manifestaba una marcada afición a la pintura, que le llevó a convertirse en aprendiz de un pintor histórico de Leiden llamado Jacob van Swanenburgh, con quien estudiaría durante tres años. Tras un breve pero intenso aprendizaje de seis meses con el célebre Pieter Lastman, en Ámsterdam,
Rembrandt inauguró su propio estudio en Leiden en 1624 o 1625 —las
fechas difieren según cada fuente—, que compartiría con su amigo y
colega Jan Lievens. En 1627, Rembrandt empezó a impartir clases de pintura, y entre sus numerosos alumnos destacó Gerrit Dou. En 1629 Rembrandt fue descubierto por el estadista Constantijn Huygens —padre del célebre matemático y físico Christiaan Huygens—, quien le facilitaría importantes encargos de la corte de La Haya. Como resultado de esta relación, el mismo príncipe Frederik Hendrik fue adquiriendo obras de Rembrandt hasta 1646.
A finales de 1631, Rembrandt se mudó a Ámsterdam, la capital de
negocios del país, que crecía vertiginosamente gracias al comercio.
Rembrandt empezó a trabajar como retratista profesional de creciente éxito. Alojado temporalmente en casa de un marchante de arte llamado Hendrik van Uylenburg, en 1634 contrajo matrimonio con su prima Saskia. Saskia era una joven de buena familia: su padre había sido abogado y burgomaestre de Leeuwarden. Cuando Saskia quedó huérfana, siendo la hermana menor, tuvo que irse a vivir con su hermana en Het Bildt.
El matrimonio, celebrado en la iglesia local de Sint Annaparochie, no
contó con la asistencia de los parientes de Rembrandt. Ese mismo año
Rembrandt se convirtió en un miembro más de la burguesía de Ámsterdam, así como de la sociedad local de pintores. Entre sus nuevos alumnos figuraban Ferdinand Bol y Govert Flinck.
Retrato de Saskia van Uylenburgh, sobre 1635.
En 1635 el joven matrimonio se mudó a su nueva casa, situada en el
elegante barrio de Nieuwe Doelenstraat. En 1639 se volvieron a mudar a
la Jodenbreestraat, en el floreciente barrio judío, aún más caro.
En realidad, Rembrandt podía haber pagado sobradamente el piso, pero al
parecer su nivel de gastos siempre se mantuvo equilibrado con su nivel
de ingresos, y también pudo haber realizado algunas inversiones poco
afortunadas.
De cualquier modo, la presencia judía en el barrio le dio la
oportunidad de encontrar rostros y figuras muy apropiadas para las
escenas del Antiguo Testamento que entonces empezó a pintar.
Pese a la inicial bonanza económica, con el paso del tiempo la pareja
atravesó numerosos reveses: así, su hijo Rombertus murió a los dos meses
de su nacimiento, en 1635, y su hija Cornelia murió a las tres semanas
de edad, en 1638. En 1640 el matrimonio tuvo una segunda hija, a la que
también llamaron Cornelia, y que falleció al cabo de un mes. Solo su
cuarto hijo, Titus van Rijn (nacido en 1641) llegó a alcanzar la madurez. Saskia falleció en 1642, al poco del parto de Titus, probablemente por tuberculosis. Los dibujos de Rembrandt del lecho de muerte de su esposa son imágenes profundamente conmovedoras. De cualquier modo, durante la enfermedad de Saskia contrataron a Geertje Dircx
como niñera de Titus, y probablemente pasó a ser también la amante de
Rembrandt. Posteriormente acusaría a Rembrandt de perjurio y obtendría
una indemnización de 200 florines al año.
Enterado de que Geertje había empeñado varias joyas que Rembrandt le
había regalado a Saskia, el pintor hizo lo posible para mantenerla
durante 12 años en un hospicio para pobres en Gouda.
A finales de 1640 Rembrandt comenzó una relación con la mucho más
joven Hendrickje Stoffelsdochter Jaegher, a quien había contratado
inicialmente como asistenta doméstica. El nacimiento en 1654 de su hija
Cornelia motivó el envío de una carta acusatoria de parte de su iglesia reformada,
en la que se le incriminaba «haber cometido los actos de una prostituta
con Rembrandt el pintor». Habiéndolo admitido públicamente, fue
excomulgada. Rembrandt, en cambio, no tuvo que enfrentar ningún cargo,
puesto que no era miembro de dicha iglesia.
Aunque el matrimonio era válido a efectos legales, Rembrandt no se casó
con Henrickje para no hacer peligrar la herencia de Titus, hijo de su
anterior matrimonio.
Titus, el hijo de Rembrandt, vestido como un monje (1660).
Rembrandt siempre vivió por encima de sus posibilidades, invirtiendo
en arte —a veces pujando por sus propias pinturas—, grabados —que solía
utilizar en sus pinturas— y todo tipo de curiosidades. En 1656 ya se
tomaron ciertas medidas en los juzgados para impedir su declaración de bancarrota,
y el artista tuvo que vender la mayoría de sus pinturas y buena parte
de su colección de antigüedades. La lista de objetos subastados se ha
conservado, y da una idea de las posesiones materiales del pintor:
dibujos y pinturas de los viejos maestros flamencos, bustos de emperadores romanos, fragmentos de armaduras japonesas, curiosidades traídas de Extremo Oriente, y colecciones de rarezas naturales y minerales. Los beneficios de estas ventas, realizadas entre 1657 y 1658, resultaron decepcionantes,de modo que en 1660 no tuvo más remedio que vender su casa y su taller de grabado y mudarse a un apartamento más modesto en Rozengracht.Rembrandt aún gozaba de cierto prestigio, y tanto las autoridades como
sus acreedores solían mostrarse bastante tolerantes. Paradójicamente, la
sociedad de pintores de Ámsterdam lo consideró un escándalo, y adaptó
sus reglamentos para que nadie que estuviese en una situación económica
como la de Rembrandt pudiese comerciar como pintor. Para evitar esta
medida, Hendrickje y el propio Titus abrieron su propio negocio de arte
en 1660, en el que Rembrandt trabajaba como «empleado».
Así, en 1661, esta «agencia artística» recibió el encargo de realizar una pintura para el recién construido ayuntamiento, pero solo después de que Govert Flinck,
el artista que había recibido inicialmente el encargo falleciese sin
haber dado una sola pincelada. Desgraciadamente, la obra resultante —La conspiración de Claudius Civilis— fue rechazada y devuelta al pintor; el único fragmento conservado es solo parte de la obra realizada. Fue por entonces cuando Rembrandt, gravemente afectado por la edad y la pobreza, admitió a Aert de Gelder como su último alumno. Hacia 1662 aún recibía encargos importantes de retratos de las personalidades de su entorno. El mismo Cosme III de Médici, gran duque de Toscana visitó a Rembrandt en su domicilio, cuando llegó a Ámsterdam en 1667.
Rembrandt sobrevivió tanto a Hendrickje —fallecida en 1663— como a su
hijo Titus, que murió el 7 de septiembre de 1668, dejándole una nieta.
Rembrandt murió un año después del fallecimiento de su hijo, el 4 de
octubre de 1669, y fue enterrado en una tumba sin nombre en el Westerkerk de Ámsterdam.
Obra
La tormenta en el mar de Galilea, 1633. Obra en paradero desconocido desde su robo del museo Isabella Stewart Gardner en 1990.
En una carta a Huygens, Rembrandt ofrece el único testimonio
conservado sobre sus aspiraciones como artista: «[alcanzar] el
movimiento más grande y más natural»,si con esto se refería a sus objetivos materiales o de otro tipo es
algo sujeto a la especulación, de cualquier modo Rembrandt representa la
fusión entre lo corpóreo y lo espiritual como pocos pintores en el arte
occidental.
A principios del siglo XX, algunos estudiosos estimaron la obra de Rembrandt en unas 600 pinturas, casi 400 grabados y cerca de 2000 dibujos.
Investigaciones realizadas desde 1960 hasta la actualidad —lideradas
por el Proyecto de Investigación Rembrandt, coordinado por varios
expertos holandeses sobre el pintor— han reducido esta cifra en unas 300
pinturas, aunque no sin generar cierta polémica. Respecto a los grabados, generalmente realizados mediante punta seca o al aguafuerte, la cifra estimada es más estable, y se aproxima a las 300 piezas.
Es probable que Rembrandt realizase más de los 2000 dibujos que se le
atribuyen, pero incluso esa cifra es posiblemente demasiado elevada
según los estudios contemporáneos.
En cierto momento se contaban hasta 90 autógrafos distintos de
Rembrandt, aunque en la actualidad se sabe que muchos de sus alumnos
debían copiar sus pinturas como parte de su aprendizaje. Investigaciones
más recientes han reducido esta cifra hasta las 40 pinturas,
suprimiendo algunos dibujos y 31 grabados, entre los cuales se cuentan
algunas de las imágenes más representativas del grupo. Muchos de sus autorretratos le muestran con ropajes anacrónicos,
o haciéndose muecas a sí mismo. Sus autorretratos muestran la evolución
desde el atribulado joven con talento, y el pintor exitoso de la década
de 1630 hasta los sombríos retratos de su vejez, de enorme profundidad
psicológica. Juntos componen la imagen de un hombre que atravesó todos
los estados de la vida, y cuya expresión refleja las fuertes sacudidas
que sufrió su espíritu a lo largo de su vida.
Entre las características más notables de su obra se destacan su uso del claroscuro, el manejo escenográfico de la luz y la sombra —fuertemente influido por Caravaggio, o, más posiblemente, por la escuela de los Caravaggisti de Utrecht— adaptados a sus propios fines.
Igualmente destacables son su visión dramática y emotiva de temas que
tradicionalmente habían sido tratados de una forma impersonal: Rembrandt
se caracteriza por el sentimiento de empatía que desprende su visión de
la humanidad, independientemente de la riqueza o la edad del retratado.
Su propio entorno familiar —su mujer Saskia, su hijo Titus, su amante
Hendrickje— suelen aparecer de forma visible en sus pinturas, en
ocasiones representando temas bíblicos, históricos o mitológicos.
Períodos, temas y estilo
El rapto de Europa, 1632. Óleo sobre tabla. Esta obra se ha considerado «un brillante ejemplo de la Edad de Oro de la pintura barroca».
A lo largo de su carrera, Rembrandt haría suyos los géneros del retrato, el paisaje y la pintura narrativa.
Por esta última sería especialmente ensalzado por sus contemporáneos,
que le consideraban un maestro en la interpretación de pasajes bíblicos
por su profundidad emocional y su cuidado de los detalles. Estilísticamente, su pintura evolucionó de la suavidad de sus principios —caracterizada por una excelente técnica de representación ilusionista de formas— a un tratamiento posterior, más "áspero", que invocaba las cualidades del objeto mediante la calidad táctil con que figuraba en la pintura.
En cuanto al grabado, podría hablarse de un desarrollo similar. En las
obras ejecutadas en su madurez, especialmente a partir de finales de la
década de 1640, la libertad y el aliento de sus dibujos encontrarían
expresión también en los medios impresos. En estas obras se combinan
tema y técnica de tal modo que en ocasiones, una gran superficie vacía
puede sugerir un espacio, mientras que en otras una compleja trama de
líneas articula el volumen de formas en penumbra.
Leiden (1625-1631)
El fumador, de Joos van Craesbeeck. En Leiden, Rembrandt también cultivó este tipo de retratos, muy populares en su época.
Fue durante el período de Rembrandt en Leiden
(1625-1631) cuando se puede hablar de una mayor influencia de Lastman.
Es probable hablar también de cierto influjo de Lievens durante aquella
primera etapa de formación. Las pinturas de esta época son bastante pequeñas, pero ricas en detalles, especialmente en vestiduras y joyería. Los temas preferidos en esta etapa son obras religiosas y alegóricas, al igual que los tronies, género popularmente holandés.
En 1626 Rembrandt produjo sus primeros grabados, y la rápida difusión
característica de este medio le ganaron fama internacional. En 1629 pintó Judas, devolviendo las monedas de plata y El artista en su estudio,
obras que evidencian su progresivo interés en el uso de la luz y el
enriquecimiento de sus registros matéricos; esta obra constituye el
primer gran progreso de su carrera y un punto clave en su crecimiento
como pintor.
Primer período en Ámsterdam (1632-1636)
Un típico retrato de 1634, cuando Rembrandt gozaba de un enorme éxito comercial.
Durante sus primeros años en Ámsterdam, Rembrandt comenzó a pintar escenas bíblicas y mitológicas de carácter más dramático, fuertemente contrastadas y en grandes formatos. A esta época pertenecen El cegamiento de Sansón (1636), La fiesta de Belshazzar (c. 1635) y la Dánae que emulaba el estilo barroco de Rubens.
Con la ayuda ocasional de asistentes en su taller de Uylenburgh,
Rembrandt satisfizo numerosos encargos de retratos, tanto pequeños (Jacob de Gheyn III) como grandes (Retrato del armador Jan Rijcksen y su esposa, (1633); La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp, fechado en 1632).
Segundo período en Ámsterdam (1636-1650)
A finales de la década, Rembrandt había producido apenas algunas pinturas y pocos grabados de tema paisajístico.
Comúnmente, estas pinturas solían destacar el aspecto dramático de la
naturaleza, reflejada en árboles desarraigados y nubes ominosas (Casa de campo ante un cielo tormentoso, 1641; Los tres árboles,
1643). A partir de 1640, Rembrandt fue eliminando los rasgos más
pintorescos y su estilo se volvió más sombrío y comedido, quizás debido a
las tragedias personales que ya habían empezado a sucederle. Del mismo
modo, las escenas bíblicas que había pintado desde su juventud pasaron
de centrarse en el Antiguo Testamento a representar pasajes del Nuevo Testamento. En 1642 recibió el encargo de La ronda de noche
—su mayor obra y el encargo de retrato colectivo más importante que
recibió en este período— y en el que trató de encontrar nuevas
soluciones compositivas y narrativas a cuestiones surgidas en obras
anteriores.
A lo largo de la siguiente década, las pinturas de Rembrandt
adoptaron diversidad de tamaños, técnicas y estilos. La tendencia
anterior a crear efectos dramáticos mediante fuertes contrastes de luz y
sombra (claroscuro) dio paso a una iluminación frontal y a mayores y más saturadas zonas de color.
Simultáneamente, las figuras empezarían a disponerse paralelamente al
plano del cuadro. Estos cambios pueden ser vistos como un retorno a la
composición clásica y, considerando el mayor trabajo de pincelada, pueden sugerir cierta familiaridad con el estilo veneciano. De esta época son obras como Susana y los viejos, (1637-1647). Al mismo tiempo, se da una visible reducción de obras pintadas en favor de grabados y dibujos de paisajes. Esta obra gráfica incorpora el valor dramático a partir de pacíficas escenas rurales holandesas.
La ronda de noche
La ronda de noche, también conocida como La milicia del capitán Frans Banning Cocq, 1642. Óleo sobre lienzo; en la colección permanente del Rijksmuseum de Ámsterdam.
Rembrandt pintó este cuadro entre 1640 y 1642. La pintura fue llamada Nacht Wacht por los holandeses y Night Watch por sir Joshua Reynolds
porque en el momento de su descubrimiento los colores al óleo se habían
apagado tanto que muchos detalles eran indistinguibles y se parecía
bastante a una escena nocturna. Después de sucesivas restauraciones, se reveló que la escena representada era una escena diurna: una partida de mosqueteros pasando de un sombrío patio a la cegadora luz del sol. La obra fue encargada para el nuevo ayuntamiento de los Kloveniersdoelen, la compañía de mosqueteros
encargados de la patrulla urbana. Rembrandt se alejó de la
representación convencional de estas agrupaciones —que generalmente eran
retratadas de un modo bastante estático y formal— para pintar una
escena que sugiere la observación directa de la acción: La milicia abandona el acuartelamiento, disponiéndose para salir de misión.
A pesar de toda la especulación desatada, la obra fue reconocida como
un éxito desde el momento de su entrega. Se seccionaron algunas partes
del cuadro para ajustarlo a la pared en que estaba destinado a ser
colgado cuando se trasladó al ayuntamiento de Ámsterdam en 1715. De
cualquier modo, el Rijksmuseum
conserva una reproducción a menor escala en la que se aprecia la idea
original de la obra, con las cuatro figuras principales en el centro de
la imagen. Esta obra está expuesta actualmente en el Rijksmuseum, donde
ocupa toda la pared de la mayor sala de la galería.
Período tardío (1650-1669)
Aquí se aprecia la diferencia de estilos entre dos de sus obras maestras: su primer retrato colectivo, la lección de anatomía del Doctor Tulp, pintado a los 26 años y una de sus obras tardías, los síndicos del gremio de pañeros, pintada con 56 años en 1662.
Hacia 1650, el estilo
de Rembrandt volvió a transformarse. Regresa a los grandes formatos,
los colores se vuelven más intensos y las pinceladas más pronunciadas.
De este modo, el pintor se alejaba de los rasgos distintivos de su
primera época, cuando tendía a trabajar más los detalles. Algunos
autores han señalado que pueda deberse a una progresiva identificación con el trabajo de artistas como Tiziano,
inscribiendo este período su toma de postura en el debate entonces
vigente sobre la primacía del "acabado" o la calidad matérica de la
pintura.
Autorretrato de 1658, una obra maestra en su estilo tardío; «el más sereno y el más grande de todos sus retratos».
Expertos en la obra de Rembrandt han señalado en ocasiones la
"tosquedad" de la pincelada del Rembrandt de este período, pero se sabe
que el mismo autor desaconsejaba a sus visitantes que observasen sus
obras desde demasiado cerca. De cualquier modo, este énfasis en las
cualidades táctiles de la obra puede remontarse a la pintura medieval,
que solía representar las cualidades matéricas de los objetos
representados imitando su textura sobre el lienzo. El resultado de este
tratamiento es un despliegue de recursos pictóricos que combina
transparencias a menudo aparentemente azarosas, las cuales sugieren
profundidad y textura de una manera ilusionista y a la vez muy personal.
En los últimos años, sus pinturas de tema bíblico tendieron a una
mayor personalización de las figuras y sus emociones individuales. (Santiago Apóstol,
1661). Rembrandt comenzó en 1652 una serie de autorretratos impregnados
de reflexión, y hasta el año de su muerte realizaría 15 versiones de
este tema; así como numerosas y emotivas imágenes de hombres y mujeres
enamorados, vivos y ante Dios (La novia judía, 1666). Algunos autores señalaron al respecto:
En los últimos retratos de Rembrandt nos sentimos enfrentados cara a
cara con personas reales; sentimos su calidez, su necesidad de simpatía y
también su soledad y sufrimiento. La mirada firme y certera que
conocemos tan bien gracias a los autorretratos de Rembrandt tiene que
haber sido igualmente capaz de mirar directamente al corazón humano.
Y también, sobre La novia judía:
Ésta es una imagen de un amor maduro, una maravillosa amalgama de
riqueza, ternura y verdad...esas cabezas, en su verdad, tienen un halo
espiritual que ningún pintor influido por la tradición clásica podría
alcanzar jamás...
Rembrandt grabador
La estampa de los cien florines, c. 1647-1649, grabado.
Rembrandt realizó grabados
durante buena parte de su carrera (1626-1660), hasta el momento en que
dificultades económicas le hicieron vender su taller de estampación y
abandonar virtualmente el medio. En ese lapso, solo durante el difícil
año de 1649 no produjo ninguna obra. Se adaptó fácilmente al lenguaje gráfico de esta técnica, y aunque dominaba el uso del buril
y era un experimentado grabador, el valor fundamental de su obra
calcográfica es la libertad técnica. Igualmente, Rembrandt se implicó
personalmente con todo el proceso de estampación, y debió haber
estampado personalmente al menos los primeros estados de cada plancha.
Al principio utilizaba un estilo basado en el dibujo, pero pronto
comenzó a desarrollar una estética más próxima a la de su pintura,
combinando masas de líneas y mordidas de ácido sucesivas para alcanzar
distintos niveles de profundidad. Antes de 1640 reaccionó contra este
estilo y recuperó una técnica más sencilla y con menos mordidas.
Así, el desarrollo de "La estampa de los cien florines", escalonado a
lo largo de toda la década de 1640, resultó ser para él una «obra
crítica en mitad de su carrera», de la que surgiría su estilo final de
grabado.Aunque de esta plancha solo se han conservado dos estampaciones en
estados iniciales (la primera muy rara) la evidencia de numerosas
rectificaciones bajo la imagen final resultan muy esclarecedoras sobre
el trabajo de Rembrandt en esta pieza.
Las tres cruces, grabado de Rembrandt, 1653, estado 3 de 5.
En sus obras más maduras de la década de 1650, Rembrandt parece
mostrarse más receptivo a la improvisación sobre la plancha y se han
conservado grandes series de estampaciones que en ocasiones llegan a 11
estados radicalmente distintos. Rembrandt empezó a utilizar reservas
como medio de oscurecer grandes áreas, que podían cubrir gran parte de
la plancha. Experimentó igualmente con efectos de impresión sobre
diferentes tipos de papel o sobre vitela, pero se ha llegado a la conclusión de que solo son auténticos los grabados impresos en papel japonés. Del mismo modo recurrió magistralmente al entrapado como medio de obtener un «tono superficial». Igualmente se mostró especialmente hábil en el uso de la punta seca,
y realizó numerosos paisajes en los que aprovecha las posibilidades
estéticas que la línea realizada con esta técnica ofrece en las primeras
estampaciones.
Sus grabados se ocupan de temas similares a los de su pintura, aunque
mostraba cierta predilección por los autorretratos (se conserva una
suma total de 27 grabados) y los retratos oficiales escasean. Se le
atribuyen 46 paisajes, generalmente de pequeño formato, que se
convirtieron en la definición del tratamiento gráfico del tema hasta
bien entrado el siglo XIX. Un tercio de sus grabados tratan temas
religiosos, que van desde la llaneza a lo monumental. Se destacan
igualmente algunas imágenes eróticas que rozan la obscenidad, y que no
encuentran equivalente en su producción pictórica.
Aunque finalmente se vio obligado a deshacerse de ella con motivo de
las deudas, Rembrandt poseyó una magnífica colección de estampas de
otros artistas como Mantegna, Hercules Pieterszoon Seghers y Giovanni Benedetto Castiglione, quienes pudieron ejercer cierta influencia sobre su obra gráfica, al igual que José de Ribera, cuyos grabados conoció.
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