Al principio de su carrera artística, fue un exitoso pintor de
decoraciones arquitectónicas de manera convencional. Cuando empezó a
desarrollar un estilo más personal, su obra fue objeto de controversia
que culminó cuando las pinturas que realizó hacia 1900 para el techo del
Gran Salón de la Universidad de Viena fueron criticadas como
pornográficas. Posteriormente no aceptó más encargos públicos, pero
alcanzó un nuevo éxito con las pinturas de su "fase dorada", muchas de
las cuales incluyen pan de oro. La obra de Klimt fue una importante
influencia para su compañero más joven, Egon Schiele.
Biografía de Gustav Klimt
Juventud y formación
Gustav Klimt nació el 14 de julio de 1862 en una pequeña ciudad, Baumgarten, cerca de Viena, el segundo de siete hijos —tres hombres y cuatro mujeres—. Ya desde la infancia, los tres hijos hombres mostraron inclinaciones artísticas, que podían haber heredado tanto de su padre,
Ernst Klimt (1833-1892) que era grabador de oro como de su madre, Anna
Klimt (Finster, de soltera), cuyo hobby frustrado era dedicarse a la
música. Klimt vivió en una relativa pobreza la mayor parte de su
infancia, en tanto que como familia de inmigrantes, el trabajo escaseaba
tanto como las oportunidades de promoción social. Fue, por tanto, solo
gracias a su talento que en 1876, con catorce años de edad, recibió una
beca para estudiar en la Kunstgewerbeschule, la Escuela de Artes y Oficios de Viena, donde se formaría hasta 1883 como pintor y decorador de interiores.
Sus maestros fueron Michael Rieser, Ludwing Minnigerode y Karl
Hrachowina. Klimt admiraba y reverenciaba al entonces pintor de moda, Hans Makart,
y se sometió gustoso a los dictados de una educación artística
clasicista. Es por ello que su obra temprana puede considerarse
académica. En 1877 su hermano menor Ernst —que con el tiempo se convertiría en
grabador, como su padre— también fue admitido en la escuela. Los dos
hermanos, con la compañía de su amigo común Franz Matsch, comenzaron a
trabajar juntos: Hacia 1880 ya gestionaban modestos encargos como un
colectivo que se hacía llamar la "Compañía de artistas", colaborando
como asistentes de su profesor en la decoración del Kunsthistorisches Museum de Viena. Klimt comenzó su carrera individual como pintor de interiores en grandes edificios públicos de la Ringstraße, desarrollando ya algunos temas alegóricos que posteriormente se convirtieron en un rasgo distintivo de su obra.
En 1888, Klimt recibió la Orden de Oro al Mérito de manos del Emperador Francisco José I de Austria por su trabajo en los murales del Burgtheater de Viena. Fue nombrado miembro honorario de las universidades de Múnich y Viena,
y para cuando en 1892 su padre y su hermano Ernst murieron, Klimt
estaba en condiciones de soportar la carga económica de sus parientes.
La tragedia familiar pesó también en su expresión artística, y marcó el
inicio de la definición de su estilo personal. A principios de la década
de 1890, Klimt conoció también a Emilie Flöge,
quien aparentemente soportó las constantes aventuras amorosas del
artista y se convertiría en su compañera hasta el final de su vida. El
componente sexual de esta relación ha sido objeto de cierta discusión,
aunque está documentado que Klimt tuvo al menos catorce hijos durante
esta relación.
La Secesión vienesa
Fragmento del Friso de Beethoven.
Klimt se convirtió en uno de los miembros fundadores —y presidente— de la Wiener Sezession, un grupo de artistas fundado en 1897, y del colectivo temporal Ver Sacrum (la 'Sagrada Primavera'). La Sezession
había surgido como una alternativa independiente a los artistas
promocionados por la Academia vienesa —de la que el mismo Klimt había
formado parte en su juventud—. Entre sus objetivos se contaban la
promoción de artistas jóvenes, la exhibición de obras producidas en el
extranjero y la publicación de una revista sobre las principales obras
realizadas por los miembros. A diferencia de la mayoría de los grupos de vanguardia, el grupo nunca redactó un manifiesto, y tampoco se definió por una determinada dirección estilística: entre sus miembros se contaban naturalistas, realistas y simbolistas.
El grupo encontró cierto apoyo gubernamental —aunque sus obras eran
generalmente detestadas— y pudo construir una sala de exposiciones
permanente sobre un solar cedido por las autoridades. Los artistas de la
Sezession tomaron a Palas Atenea, la diosa griega
de la sabiduría y la justicia como su símbolo. Klimt, que realizó una
aproximación bastante radical a la imagen de la diosa en 1898, estuvo
adscrito a este colectivo hasta 1908.
En 1894, Klimt había recibido el encargo de crear tres pinturas para decorar el techo del Aula Magna de la Universidad de Viena. Inacabadas hasta el fin de siglo, estas tres obras —Filosofía, Medicina y Jurisprudencia— fueron muy criticadas por lo radical de su enfoque y su propia representación, que algunos consideraron "pornográfica".
Klimt adaptaba la forma clásica de la alegoría y su simbolismo
convencional, dándole forma con su propio lenguaje plástico,
abiertamente sexual y de matices provocativos.
El clamor fue general: protestaron políticos, pero también
personalidades relacionadas con el mundo del arte y la moral pública. La
universidad decidió finalmente no colocar las obras de Klimt, y este no
volvería a admitir encargos a partir de entonces. Por desgracia las
tres obras fueron destruidas por las SS durante su retirada, en mayo de 1945. En 1899, Klimt se confirmó en su estilo: Provocadora y llena de turbadora energía, su Nuda Veritas —la "Verdad desnuda"—
suponía un paso adelante en su estética personal, pero también
constituía una declaración de principios, casi un desafío, dirigido
principalmente a los críticos de su obra más conservadores: El crudo
desnudo frontal de una mujer, sosteniendo un alegórico "espejo de la
verdad", iba coronado con una conocida sentencia de Schiller:
Si no puedes agradar a todos con tus méritos y tu arte, agrada a pocos. Agradar a muchos es malo.
Schiller
En 1902, Klimt concluyó su trabajo en el Friso de Beethoven
a tiempo para la XIV exposición de los secesionistas vieneses, que se
había organizado a modo de homenaje al compositor, y en la que se
presentaba una monumental escultura policromada de Max Klinger.
Destinado a ser expuesto temporalmente, el friso fue pintado
directamente sobre la pared con una técnica ligera. Tras la exposición,
sin embargo, el friso fue conservado, si bien no volvió a ser expuesto
en público hasta 1986.
Al año siguiente Klimt viajó por Italia, visitando Florencia, Venecia y Rávena, y descubriendo los mosaicos bizantinos de las iglesias de San Vital y San Apolinar.
Comenzaba entonces lo que algunos críticos han interpretado como la
etapa de madurez artística del pintor: liberado de encargos públicos,
Klimt había comenzado en 1890 a viajar con la familia Flöge al lago Attersee,
donde realizó numerosos paisajes. Estas obras se convirtieron en una
excepción en el corpus de Klimt, dedicado desde siempre a la figura con
enérgica devoción:
No existe ningún autorretrato mío. No me interesa
mi propia personalidad como objeto de un cuadro, sino más bien me
interesan otras personas, en especial mujeres, otras apariencias…estoy
convencido de que como persona no soy especialmente interesante.
Gustav Klimt
Klimt fue un pintor enérgico y arrebatado, y sus propios parientes comentaban sorprendidos sobre su dedicación:
Cada noche venía a casa, tomaba la cena en silencio
y se iba a la cama… Cuando había descansado, retomaba con tal ímpetu el
trabajo que a menudo pensábamos que las llamas de su genialidad lo
consumirían vivo…
Estilísticamente, los paisajes realizados en aquella temporada se
caracterizaban por el mismo refinado diseño ornamental y por un enfático
uso de motivos compositivos. El espacio pictórico aparece «aplanado» de
un modo tan rotundo que algunos críticos han señalado la posibilidad de
que Klimt los pintase sirviéndose de algún tipo de catalejo.
La 'etapa dorada' y el éxito de crítica
El beso, 1907-1908. Cuadro más conocido del pintor. Óleo/lienzo. Österreichische Galerie Belvedere.
La "etapa dorada" de Klimt vino determinada por un progresivo
acercamiento de la crítica y un gran éxito comercial. Muchas de sus
pinturas de este período incorporan pan de oro a la pintura, aunque este era un medio que Klimt ya había utilizado esporádicamente desde 1898 (Pallas Athene) y su primera versión de Judith, de 1901. Tras regresar de su viaje italiano, Klimt participó en la decoración del suntuoso palacio Stoclet, hogar de un opulento magnate belga. Este edificio se convertiría en la síntesis del art nouveau centroeuropeo. La aportación de Klimt —representada por El Cumplimiento y La Expectación— significaron el clímax de su energía creativa, y tal como él mismo afirmó, "posiblemente el último paso de mi desarrollo de la ornamentación".
Las obras más notables realizadas en esta etapa fueron sin embargo el Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907) y El beso
(1907-1908). Paralelamente, Klimt realizó retratos de diversas damas de
la alta sociedad vienesa, normalmente envueltas en pieles. Es posible
que muchos de los modelos que Flöge luce en algunas fotografías tomadas
por el autor fuesen diseñados por el mismo artista.
Tal como se aprecia en muchas fotografías, Klimt solía vestir túnica y
sandalias cuando estaba en su casa. Llevaba una vida bastante sencilla,
completamente absorbido por su trabajo y su familia, y exceptuando
algunos encuentros con otros artistas de la Sezession, Klimt
solía evitar los encuentros de sociedad y los círculos intelectuales "de
café". Pese a su imagen de libertino, Klimt también llevaba su activa
vida sexual discretamente, y aunque se rodeaba de modelos femeninas de
muy diversa categoría social, nunca se vio personalmente envuelto en
ningún escándalo público. Atraídos por su gran fama, algunos clientes
que acudían a su casa solían descubrir que Klimt podía permitirse ser
muy selectivo antes de aceptar un encargo.
Una vez admitido un encargo, el artista iniciaba su particular
método de trabajo, tras largas meditaciones y aún más prolongadas
sesiones de posado de modelos. La naturaleza abiertamente erótica de sus
obras solía verse "suavizada" por un enfoque alegórico, o simbólico,
que la hacía de algún modo más admisible para la pacata opinión pública
de la burguesía vienesa. Klimt nunca destacó por su carácter teórico. No
escribió apenas nada sobre su visión artística o sus métodos. Del mismo modo, nunca llevó un diario, y su correspondencia se limita a algunas postales enviadas a Flöge.
Vejez y fama póstuma
En 1911, gracias a La vida y la muerte, Klimt es galardonado con el primer premio de la Exposición Universal de Roma. En 1915, murió su madre, Anna. Tres años más tarde, tras haber pasado un infarto, neumonía y la gripe de 1918, Klimt falleció. El artista, en su lecho de muerte, preguntó por Emilie Flöge,
doce años menor que él y con la que nunca quiso contraer matrimonio. En
su taller dejó inacabadas gran cantidad de obras. Un número
considerable de sus obras fue confiscado por la dictadura nazi. Al
avance de las tropas enemigas, y al ver que sus obras se convertirían en
botín de guerra, decidieron quemar el castillo donde estas permanecían
confiscadas.
Retrato de Adele Bloch-Bauer I, vendido en 2006 por un precio récord de 135 millones de dólares. Neue Galerie, Nueva York.
Las obras de Klimt han batido algunos récords en las subastas de
arte. En noviembre de 2003, un paisaje de Attersee fue vendido por 29
millones de dólares, una cifra que pronto quedó eclipsada por los precios finales de otras de sus obras.
En 2006, el primer retrato de Adele Bloch-Bauer fue vendido en la Neue Galerie de Nueva York por 135 millones de dólares, superando así el récord establecido por el Chico con pipa (1905) de Picasso (vendido el 5 de mayo de 2004 por 104 millones de dólares).
El 7 de agosto de 2006, la casa de pujas Christie's anunció la subasta de un nuevo lote de obras de Klimt, obras que habían sido recuperadas por Maria Altman y sus herederos tras un largo pleito que les enfrentó al gobierno austríaco. Finalmente, el Retrato de Adele Bloch-Bauer II fue subastado en noviembre de 2006 —convirtiéndose en la tercera obra de arte más cara de la historia—, el Manzano, I (aprox. 1912) fue vendido por 33 millones, el Bosque de abedules (1903) por más de 40 millones de dólares, y las Casas en Unterach, en el lago Atter (1916) por otros 31 millones.
En total, las cinco piezas representan un valor total de 327 millones de dólares.
Estilo y temas recurrentes
La
obra de Klimt se ha identificado con la suntuosa decoración basada en
dorados y elementos ornamentales de vivos colores, aunque también con
formas fálicas encubiertas que indican el carácter de los dibujos en que
se inspiraban. En la primera versión de Judith, por ejemplo, aunque también en El beso y, sobre todo, en la Dánae
de 1907 aparecen elementos abstractos de un carácter sexual
inconfundible. Siendo la mujer uno de los temas más recurrentes de
Klimt, resulta lógico que el artista representase muchas de las facetas
del carácter femenino, aunque sentía especial predilección por un tipo
de mujer agresiva y dominante que podría identificarse con el modelo
icónico de la femme fatale.
Los historiadores del arte coinciden en señalar el carácter
ecléctico de su estilo pictórico; y se han apuntado, entre otras,
referencias al arte del antiguo Egipto, a la cultura Micénica, a la
Grecia clásica y al arte bizantino.
Hombre de formación clásica, Klimt no sentía sin embargo reparo en
manifestar su entusiasmo por el arte de artistas medievales —como Durero— o exóticos —como los artistas de la escuela Rinpa japonesa—.
Sus obras de madurez se caracterizan por un rechazo de sus inicios
naturalistas, siendo así que se ha señalado el progresivo desarrollo de
motivos simbólicos o abstractos que enfatizaban la libertad de espíritu
que impregnó todas las vanguardias artísticas de principios del siglo
XX.
Del mismo modo, resulta significativo el valor de la línea en su
obra. Sus dramáticas composiciones —utilizando a veces extraños puntos
de vista, planos verticales y cortes atípicos— subrayan el carácter
innovador de su plástica, y anticipan el valor expresivo de la línea que
caracterizará el expresionismo posterior.
Pinturas
Idylle (Idylls) 1884, Vienna Museum
Der Blinde (The Blind Man) 1896, Leopold Museum
Stiller Weiher (Egelsee bei Golling, Salzburg) (Tranquil Pond) 1899, Leopold Museum
Jurisprudence 1899–1907. Destroyed 1945
Medicine 1899-1907. Destroyed 1945
Medicine (detail) 1899–1907. Destroyed 1945
Philosophie 1899–1907. Destroyed 1945
Schubert am Klavier (Schubert at the Piano) 1899, Destroyed 1945
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