UNA DAMA DEL CINE Y TEATRO AMERICANA

 

 

Helen Hayes MacArthur (née Brown; 10 de octubre de 1900 - 17 de marzo de 1993) fue una actriz estadounidense cuya carrera abarcó 80 años. Finalmente recibió el apodo de "Primera Dama del Teatro Americano" y fue una de las 15 personas que ganó un Emmy, un Grammy, un Oscar y un Premio Tony (un EGOT). Hayes también recibió la Medalla Presidencial de la Libertad, el honor civil más alto de Estados Unidos, del presidente Ronald Reagan en 1986. En 1988, fue galardonada con la Medalla Nacional de las Artes.

Los premios anuales de Helen Hayes, que han reconocido la excelencia en el teatro profesional en  Washington, DC, desde 1984, llevan su nombre. En 1955, el antiguo Teatro Fulton en la calle 46 en el distrito teatral de Broadway de la ciudad de Nueva York pasó a llamarse Teatro Helen Hayes. Cuando ese lugar fue demolido en 1982, el cercano Little Theatre fue renombrado en su honor. Helen Hayes es considerada como una de las más grandes damas del teatro del siglo XX.

Vida temprana

 

Helen Hayes Brown nació en Washington, DC, el 10 de octubre de 1900. Su madre, Catherine Estelle (o hija de Hayes), o Essie, era una actriz aspirante que trabajaba en compañías de turismo. Su padre, Francis van Arnum Brown, trabajó en varios trabajos, incluso como empleado de la Oficina de Patentes de Washington y como gerente y vendedor de una carnicería mayorista. Los abuelos maternos emigraron de Irlanda durante la hambruna irlandesa.

Hayes comenzó una carrera teatral a temprana edad. Dijo que su debut en el escenario fue como cantante de cinco años en el Teatro Belasco de Washington, en Lafayette Square, frente a la Casa Blanca. A los diez años, había hecho un cortometraje, Jean and the Calico Doll (1910), pero se mudó a Hollywood solo cuando su esposo, el dramaturgo Charles MacArthur, firmó un contrato en Hollywood. Hayes asistió a la prestigiosa escuela primaria de Dominican Academy, en el Upper East Side de Manhattan, de 1910 a 1912, donde apareció en The Old Dutch, Little Lord Fauntleroy, y otras actuaciones. Asistió a la Academia del Convento del Sagrado Corazón en Washington y se graduó en 1917.

 

Carrera

 

 

Su debut en el cine sonoro fue El pecado de Madelon Claudet, por el que ganó el Premio de la Academia a la mejor actriz. Lo siguió con papeles protagónicos en Arrowsmith (con Ronald Colman), A Farewell to Arms (con Gary Cooper), The White Sister (con Clark Gable), Another Language (con Robert Montgomery), What What Woman Knows (una repetición de ella) Éxito de Broadway), y Vanessa: Her Love Story también con Robert Montgomery. Pero Hayes no prefería el cine al escenario.

Hayes finalmente regresó a Broadway en 1935, donde durante tres años desempeñó el papel principal en la producción de Victoria Regina de Gilbert Miller, con Vincent Price como Príncipe Alberto, primero en el Teatro Broadhurst y más tarde en el Teatro Martin Beck.

En 1951, participó en el renacimiento de Broadway de la obra de Mary M. Barrie, Mary Rose, en ANTA Playhouse.

En 1953, fue la primera en recibir el Premio Sarah Siddons por su trabajo en el teatro de Chicago, repitiéndose como ganadora en 1969. Regresó a Hollywood en la década de 1950 y su estrella  comenzó a crecer. Protagonizó My Son John (1952) y Anastasia (1956), y ganó el Premio de la Academia a la Mejor Actriz de Reparto por su papel de anciana polizona en la película del desastre Airport (1970). Ella siguió con varios papeles en películas de Disney como Herbie Rides Again, One of Our Dinosaurs is Missing y Candleshoe. Su actuación en Anastasia fue considerada como una reaparición: había suspendido su carrera durante varios años debido a la muerte de su hija Mary y la salud de su esposo.

En 1955, el Teatro Fulton fue renombrado por ella. En la década de 1980, los intereses comerciales querían arrasar ese teatro y otros cuatro para construir un gran hotel que incluía el Teatro Marquis. El consentimiento de Hayes para arrasar el teatro que lleva su nombre fue solicitado y otorgado, aunque no tenía ningún interés de propiedad en el edificio. Partes del teatro original Helen Hayes en Broadway se usaron para construir el Shakespeare Center en el Upper West Side de Manhattan, que Hayes dedicó con Joseph Papp en 1982. En 1983, el Little Theatre en West 45th Street fue rebautizado como Helen Hayes Theatre en su honor, al igual que un teatro en Nyack, que desde entonces ha sido rebautizado como Riverspace-Arts Center. A principios de 2014, el diseñador de interiores Dawn Hershko restauró y diseñó el sitio y reabrió sus puertas como Playhouse Market, un pintoresco restaurante y delicatessen gourmet. Hayes, quien habló con su buena amiga Anita Loos casi a diario por teléfono, le dijo: "Solía ​​pensar que Nueva York era el lugar más fascinante del mundo. Apuesto a que aún lo es y si fuera libre el próximo verano, Yo lo probaría ". Con eso, convenció a Loos para embarcarse en una exploración de los cinco condados de Nueva York. Visitaron y exploraron la ciudad; Hospital Bellevue por la noche, un remolcador que transporta basura al mar, fiestas, bibliotecas y mercados puertorriqueños. Hablaron con la gente común para ver cómo vivían sus vidas y qué hacía que la ciudad funcionara. El resultado de este esfuerzo de colaboración fue el libro "Twice Over Lightly", publicado en 1972.

No está claro cuándo o por quién se llamó a Hayes la "Primera Dama del Teatro". Su amiga, la actriz Katharine Cornell, también tenía ese título, y cada una pensó que la otra se lo merecía. Un crítico dijo que Cornell jugaba con cada reina como si fuera una mujer, mientras que Hayes jugaba con cada mujer como si fuera una reina.

En 1982, con su amiga Lady Bird Johnson, fundó el Centro Nacional de Investigación de Flores Silvestres, ahora el Centro de Flores Silvestres Lady Bird Johnson en Austin, Texas. El centro protege y preserva las plantas nativas de América del Norte y los paisajes naturales.

El Premio Helen Hayes para teatro en el área de Washington, DC, lleva su nombre en su honor. Ella tiene una estrella en el Hollywood Walk of Fame en 6220 Hollywood Blvd. Hayes también está en el American Theatre Hall of Fame. 

 

Vida personal

 

Hayes era católica y era una republicana pro empresa que asistía a muchas Convenciones Nacionales Republicanas (incluida la celebrada en Nueva Orleans en 1988), pero no era tan política como otras (por ejemplo, Adolphe Menjou, Ginger Rogers, John Wayne, Ronald Reagan, etc.) en la comunidad de Hollywood de esa época.

Hayes escribió tres memorias: A Gift of Joy, On Reflection y My Life in Three Acts. Algunos de los temas de estos libros incluyen su regreso al catolicismo romano (se le había negado la comunión de la Iglesia durante su matrimonio con Charles MacArthur, quien era un protestante divorciado); y la muerte de su única hija, Mary (1930–1949), aspirante a actriz, de polio a la edad de 19 años. El hijo adoptivo de Hayes, James MacArthur (1937–2010), continuó su carrera en la actuación, protagonizando Hawai. Cinco-O en la televisión. Hayes fue estrella invitada en Hawaii Five-0 en el episodio de 1975 Retirarse en Sunny Hawaii ... Siempre y después, en 1980, ambos aparecieron en el episodio No Girls for Doc / Marriage of Convenience / The Caller / The Witness of The Love Boat .

Hayes fue hospitalizada varias veces por asma, que fue agravada por el polvo del escenario, lo que la obligó a retirarse del teatro en 1971, a la edad de 71 años.
Su último espectáculo en Broadway fue un renacimiento de Harvey en 1970, en el que actuó junto a James Stewart. Clive Barnes escribió: "Ella ejemplifica el encanto nervioso como si fuera un estilo de actuación ... Ella es uno de esos actores ... donde observar cómo está haciendo algo es casi tan placentero como lo que está haciendo". Pasó la mayor parte de sus últimos años escribiendo y recaudando fondos para organizaciones que combaten el asma.

 

 

Muerte

 
Hayes murió el 17 de marzo de 1993 de una insuficiencia cardíaca congestiva en Nyack, Nueva York. La amiga de Hayes, Lillian Gish, la "Primera Dama del cine estadounidense", fue la beneficiaria designada de su patrimonio, pero Gish había fallecido hacía menos de un mes. Hayes fue enterrada en el cementerio de Oak Hill en Nyack. En 2011, fue honrada con un sello de correos de los Estados Unidos.

Filmografía parcial

 

Actriz

 

• 1928: The Dancing Town - Corto metraje
• 1931: El pecado de Madelon Claudet: Madelon Claudet
• 1931: El doctor Arrowsmith: Leora (Le) Tozer Arrowsmith
• 1932: Adiós a las armas: Catherine Barkley
• 1938: Hollywood Goes to Town - Documental - No acreditado: ella-misma
• 1954: Light's Diamond Jubilee - Documentaire TV: ella-misma
• 1956: Anastasia: la Emperatriz
• 1970: Aeropuerto: Ada Quonsett
• 1972: Harvey - Film TV: Veta Louise Simmons
• 1974: Herbie, un volante loco (Herbie Rides Again): Mme Grandmaman Steinmetz
• 1977: El secreto del castillo (Candleshoe): Lady St. Edmund
• 1978: A Family Upside Down - Film TV: Emma Long
• 1982: Night of 100 Stars - Documentaire TV: ella-misma
• 1985: Agatha Christie's- Murder With Mirrors - Film TV: Miss Jane Marple
• 1995: First 100 Years: A Celebration of American Movies - Documental TV: ella-misma

 

Teatro

• Largo viaje hacia la noche, 1971
• Harvey, 1970
• The Front Page, 1969
• The Show Off, 1967
• We, Comrades Three, 1966
• Right You Are If You Think You Are, 1966
• The School for Scandal, 1966
• The White House, 1964
• A Touch of the Poet, 1958
• Time Remembered, 1957
• The Skin of Our Teeth, 1955
• The Wisteria Trees, 1955
• What Every Woman Knows, 1954
• Mrs. McThing, 1952
• Mary Rose, 1951
• The Wisteria Trees, 1950
• El zoo de cristal, 1948
• Happy Birthday, 1946
• Harriet, 1943
• Candle in the Wind, 1941
• Noche de reyes, 1940
• Ladies and Gentlemen, 1939
• The Country Wife, 1936
• Victoria Regina, 1935
• Mary of Scotland, 1933
• The Good Fairy, 1931
• Petticoat Influence, 1930
• Mr. Gilhooley, 1930
• Coquette, 1927
• Ziegfeld Follies of 1927, 1927
• What Every Woman Knows, 1926
• Young Blood, 1925
• The Last of Mrs. Cheyney, 1925
• César y Cleopatra, 1925
• Quarantine, 1924
• Dancing Mothers, 1924
• She Stoops to Conquer, 1924
• We Moderns, 1924
• To the Ladies, 1922
• Golden Days, 1921
• The Wren, 1921
• Bab, 1920
• Clarence, 1919
• Dear Brutus, 1919
• The Prodigal Husband, 1914
• The Never Homes, 1911
• The Summer Widowers, 1910
• Old Dutch, 1909

 

 Premios

 

Premios Óscar

Globos de Oro

Año	Categoría	Película	Resultado
1970	Mejor Actriz de Reparto	Aeropuerto	Ganadora
1932	Mejor Actriz	El pecado de Madelon Claudet	Ganadora
Año	Categoría	Película	Resultado
1975	Mejor Actriz - Comedia o musical	El Nuevo amor de Coccinelle	Candidata
1956	Mejor Actriz - Comedia o musical	Anastacia	Candidata

INFORMACIÓN Y HORARIOS SALIDA MES DE MAYO

Hola xarxeros/xarxeras:

Este año en Barcelona se celebra la exposición "Durero maestro del Renacimiento" con una exposición que abarca tres espacios de la ciudad con las obras más importantes de este pintor, grabador y escritor alemán del XV-XVI.

Por este motivo Xarxa fem Cultura siempre atenta -cuando no se me escapan- a los eventos culturales de nuestro entorno organiza una salida para el dia 11 de Mayo a las 10 de la mañana en una visita guiada que nos llevará a conocer la obra de este pintor en tres espacios emblemáticos de la ciudad de Barcelona: la Sala Capitular de la Catedral, el Museo Diocesano y el Reial Centre Artístic de Catalunya.

PRECIO:

El precio de esta actividad es de 10 €. Con esta cantidad veremos la obra de Durero en los tres espacios donde está ubicada en una visita guiada que nos explicará la trayectoria del artista y de los espacios donde está ubicada.

 CONTACTO:

Las personas interesadas debeis apuntaros antes del día 30 de abril a las 21 h. para hacer la reserva de nuestra salida y según los asistentes ubicaros en los espacios.

Como es habitual a través del e-mail: xarxafemcultura@gmail.com o por WhatsApp al 625 188 150 donde entrareis dentro del what creado para esta actividad. 

HORARIOS:

Para los residentes en Castelldefels: En el andén de la estación de Renfe a las 8'45 h. Bajaremos en Paseo de Gracia e iremos andando al Reïal Cercle Artístic donde pagaremos la entrada y empezaremos la visita guiada.

Para los residentes en Barcelona y sus alrededores: Nos vemos en la entrada del Reïal Cercle Artístic a las 9'50 h. para que yo recoja el dinero y hacer los trámites de la salida. 

Animaos¡¡¡¡ És una ocasión única de ver su obra en nuestra ciudad¡¡¡¡¡¡

490 ANIVERSARIO DE LA MUERTE DE ESTE ARTISTA E INTELECTUAL ALEMÁN.

Alberto Durero (en alemán Albrecht Dürer, Núremberg, 21 de mayo de 1471-Núremberg, 6 de abril de 1528) es el artista más famoso del Renacimiento alemán, conocido en todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte.

Famoso en media Europa antes de cumplir los treinta años, gracias al éxito de su serie de xilografías del Apocalipsis (1498), Durero ejerció una decisiva influencia en los artistas del siglo XVI, tanto alemanes como de los Países Bajos (en especial Lucas van Leyden), y llegó a ser admirado por maestros italianos como Rafael Sanzio y Tiziano; consta además que sostuvo contactos con genios como Leonardo da Vinci y Giovanni Bellini. Sus grabados alcanzaron gran difusión e inspiraron a múltiples creadores posteriores, incluyendo los nazarenos del siglo XIX y los expresionistas alemanes de principios del siglo XX. 

Vida y obra

 

Autorretrato (1493) de Alberto Durero, pintado originalmente en óleo sobre vitela. Louvre, París.

 

 

Durero nació el 21 de mayo de 1471 en Núremberg, ciudad a la que estuvo íntimamente unido. Su padre era un orfebre húngaro que emigró a tierras germanas y el primer maestro de su hijo. Alberto Durero el Viejo (1427-1502) nació en el pueblo húngaro de Ajtós, ubicado junto a la ciudad de Gyula. Originalmente llamado Albert Ajtósi, cuando llegó a Alemania tradujo su apellido a "Türer" y luego a "Dürer" según el dialecto local. Este apellido significa fabricante de puertas, y de hecho Durero ostentaría como motivo de su blasón una puerta.

De su primera formación, el joven Durero heredó el legado del arte alemán del siglo XV, en el que estaba muy presente la pintura flamenca del gótico tardío. Los artistas alemanes no tenían dificultad en adaptar su propia tradición gótica a la de artistas flamencos, como Robert Campin, Jan van Eyck y, sobre todo, Rogier van der Weyden.

El concepto empírico del mundo de la gente del norte (fundamentado más en la observación que en la teoría) era el nexo común. Durante el siglo XVI, el fortalecimiento de lazos con Italia a través del comercio y la difusión de las ideas de los humanistas italianos por el norte de Europa infundieron nuevas ideas artísticas al mundo del arte alemán, de tradición más conservadora.

Para los artistas alemanes resultaba difícil conciliar su imaginería medieval -representada con ricas texturas, colores brillantes y figuras con gran lujo de detalle- con el énfasis que los artistas italianos ponían en la antigüedad clásica, los temas mitológicos y las figuras idealizadas. La tarea que Durero se planteó fue la de proveer a sus compatriotas de un modelo con el que pudieran combinar el interés empírico por los detalles naturalistas con los aspectos más teóricos del arte italiano.

En su abundante correspondencia -especialmente en las cartas al humanista Willibald Pirckheimer, amigo suyo toda la vida- y en diversas publicaciones, Durero hacía hincapié en que la geometría y las medidas eran la clave para el entendimiento del arte renacentista italiano y, a través de él, del arte clásico.

En la lista de amigos de Durero estaba el austriaco Johann Stabius, autor que le proporcionó los conocimientos y detalles sobre la construcción de relojes solares. Entre las notas que dejó en su diario, cabe mencionar una descripción de una pesadilla que tuvo una noche de Pentecostés en 1525, donde veía caer trombas de agua del cielo. Marguerite Yourcenar hizo un interesante análisis en su libro El tiempo, gran escultor.

Desde aproximadamente 1507 hasta su muerte tomó notas y realizó dibujos para su tratado más conocido, Vier Bücher von menschlicher Proportion (Cuatro libros sobre las proporciones humanas, publicado póstumamente en 1528). Sin embargo, otros artistas contemporáneos suyos, con una orientación de tipo más visual que literaria, pusieron mayor atención en sus grabados, tanto en planchas de cobre como xilografías, que en sus escritos dirigidos a orientarlos en la modernización de su arte con desnudos de corte clásico y temas idealizados, propios del Renacimiento italiano. 

Aprendizaje y primer viaje

 

 

Autorretrato a los 13 años, 1484, dibujo a punta de plata (Museo Albertina en Viena).

 

 

Liebre joven, 1502, acuarela y gouache (Museo Albertina en Viena).

 

 

En 1486, a los quince años de edad, Durero ingresó como aprendiz en el taller de Wolgemut, donde entre 1488 y 1493 se abordó la considerable tarea de realizar numerosas xilografías para ilustrar la Crónica de Núremberg (1493) de Hartmann Schedel, posiblemente el libro incunable más ambicioso y famoso producido en Europa. Es probable que Durero recibiera una instrucción exhaustiva de cómo hacer los dibujos para las planchas de madera. Durante toda la época renacentista, el sur de Alemania fue centro de muchas publicaciones y era común que los pintores estuvieran también calificados para realizar xilografías y grabados para ellas.

Como era costumbre entre los jóvenes que habían acabado su periodo de aprendizaje, Durero emprendió un viaje de estudios en 1490. En 1492 llegó a Colmar, donde intentó entrar en el taller del pintor y grabador alemán Martin Schongauer que, cosa que no sabía Durero, había muerto en 1491.

Los hermanos de Schongauer le aconsejaron que se dirigiera al centro de publicaciones de Basilea, en Suiza, para buscar trabajo. En Basilea y después en Estrasburgo, Durero realizó ilustraciones para varias publicaciones, entre las que se encuentra Das Narrenschiff de Sebastian Brant en 1494 (traducida en 1507 como La nave de los locos). Durante esta primera etapa de su vida, comprendida entre su aprendizaje y su regreso a Núremberg en 1494, su arte refleja una enorme facilidad en el trazado del dibujo y una minuciosa observación del detalle. Dichas cualidades son especialmente evidentes en una serie de autorretratos, entre los que se encuentra uno de sus dibujos más antiguos (1484, Albertina, Viena) que hizo a la edad de 13 años, un retrato de expresión seria dibujado en 1491 (Colecciones de la Universidad, Erlangen, Alemania), y otro retrato en el que aparece como un joven seguro de sí mismo (1493, Museo del Louvre). 

Primer viaje a Italia (1494-95)

 

Los cuatro jinetes del apocalipsis, perteneciente a la serie de grabados Apocalipsis (1498).

 

 

En cumplimiento de un matrimonio concertado durante su ausencia, Durero se casó en Núremberg en 1494 con Agnes Frey, hija de un herrero económicamente bien situado. La nueva pareja nunca llegó a tener hijos, y la relación conyugal no fue buena, según se deduce de varias cartas donde el artista y su amigo Pirckheimer hablan negativamente sobre Agnes.

Poco después de la boda, Durero viajó sin su esposa a Italia. Allí realizó acuarelas de paisajes con gran minuciosidad de detalle, probablemente durante su viaje de regreso, como por ejemplo una vista del castillo de Trento (National Gallery, Londres).

Durante los diez años siguientes en Núremberg, desde 1495 hasta 1505, produjo un gran número de grabados que le ayudaron a asentar su fama. Entre ellos destacan las xilografías de la serie del Apocalipsis (1498), Baño de hombres y Sansón con el león, y los grabados a buril La gran fortuna (1501-1502) y La caída del hombre (1504). Estas y otras obras de este periodo muestran, en su conjunto, una maestría técnica cada vez mayor en el arte de ambas técnicas, un manejo de las proporciones humanas basado en los textos del tratadista romano Vitrubio y una brillante capacidad para incorporar detalles de la naturaleza en obras que reflejan el entorno con gran realismo.

En 1498 pintó su Autorretrato del Museo del Prado (Madrid) y en 1500 el de la Pinacoteca Antigua de Múnich, en el que se representa con las características que habitualmente se atribuyen a Cristo y expresa de forma visual la preocupación que demostró durante toda su vida por elevar la categoría del artista por encima de la del mero artesano. 

Segundo viaje a Italia (1505-1507)

 

Durero volvió a viajar a Italia entre 1505 y 1507. En Venecia conoció al gran maestro Giovanni Bellini y a otros artistas, y la Fundación de Comerciantes Alemanes (Fondaco dei Tedeschi) le encargó una obra importante: el retablo de La fiesta del Rosario (1506, Galería Nacional de Praga). 

Adán y Eva (1507), pintura sobre tabla, Museo del Prado.

 

 

En 1507 regresó a Núremberg, donde dos años después compró una casa de cuatro plantas; sería su domicilio y taller por el resto de su vida (actualmente está abierta como museo). Comenzó en esos años un segundo periodo de una ingente producción artística con obras como el retablo para la iglesia de los Dominicos de Fráncfort del Meno (1508-1509, destruido en un incendio en 1729), la tabla de la Adoración de la Trinidad (1508-1511, Museo de Historia del Arte, Viena), las tablas de Adán y Eva (1507, Museo del Prado), retratos y numerosos grabados, entre los que se encuentran dos series de la Pasión (la Gran Pasión y la Pequeña Pasión), otra sobre La Vida de la Virgen, un Arco del triunfo grabado en varias planchas de madera, encargo del emperador del Sacro Imperio Romano Germánico Maximiliano I, y tres imágenes magistrales: El caballero, la Muerte y el Diablo (1513), San Jerónimo en su gabinete (1514) y La melancolía (1514). Mediante el grabado de línea Durero consiguió crear diferentes gamas de sombreado y texturas con las que logró plasmar formas tridimensionales con una maestría nunca antes lograda.

Es acogido por la familia Fugger, de cuyos miembros realiza algunos retratos. 

Último viaje y últimas obras

 

En 1520 Durero se enteró de que Carlos I, sucesor de Maximiliano I, iba a viajar desde España a Aquisgrán para ser coronado emperador del Sacro Imperio Romano Germánico. Durero había recibido una pensión anual por parte de Maximiliano y tenía la intención de que Carlos I mantuviera esa asignación. Emprendió el viaje a Aquisgrán, que financió vendiendo grabados y otras obras durante el trayecto, y de allí pasó a los Países Bajos entre 1520 y 1521. Posiblemente la pintura dureriana más relevante de esta etapa es el San Jerónimo en meditación (Lisboa, Museu Nacional de Arte Antiga) que creó en Amberes para el diplomático portugués Ruy Fernández de Almeida. En Gante le avisaron del hallazgo de una ballena varada; se apresuró hacia la costa a verla, pero le sorprendió una tormenta y cayó enfermo. Su diario nos proporciona un fascinante relato de estos viajes, de las audiencias de los monarcas y de los recibimientos que le brindaron sus compañeros artistas, como Lucas van Leyden, especialmente en Amberes. Resultó muy satisfactoria su audiencia con Carlos I, pero hay quien atribuye a este viaje la causa de unos problemas de salud (¿malaria?) que afectaron al artista durante sus últimos años.

Regresó a Núremberg, donde habría de permanecer hasta su muerte, el 6 de abril de 1528. Sus últimas obras son dos grandes tablas en las que están representados Cuatro apóstoles (hacia 1526, Alte Pinakothek Múnich), que ofreció como regalo a la ciudad de Núremberg. 

Influencia posterior

 

Melancolía I (1514), grabado.

 

 

El arte de Durero ha ejercido una influencia intensa y duradera en el arte occidental, fundamentalmente gracias a la masiva circulación de sus grabados, tanto originales como copias. Durero es, al igual que Rembrandt y Francisco de Goya, uno de los escasísimos genios del arte europeo que crearon con igual dedicación pinturas y grabados. De hecho, la producción dureriana grabada y sobre papel (dibujos, acuarelas) es numéricamente muy superior a la pictórica: frente a un catálogo de pinturas próximo a 120 conservadas, se le catalogan unos 1.200 dibujos y unas 450 imágenes en grabado. De ellas, 350 son xilografías y 105 son grabados sobre matrices de metal (cobre, hierro), en su gran mayoría trabajados a buril (Durero produjo solamente tres grabados a punta seca y seis aguafuertes).

Ya en vida Durero disfrutó de gran fama no solo en Centroeuropa, sino también en los Países Bajos, España e Italia, mayormente por sus estampas, que fueron copiadas con frecuencia. Durero acusó de plagio al italiano Marcantonio Raimondi por replicar sus grabados. Este conflicto se resolvió con un dictamen salomónico: se garantizó a Durero protección para su monograma en territorio veneciano, aunque no para sus composiciones. Podrían ser reproducidas, pero sin el monograma; lo que ayudaría a diferenciar entre los grabados genuinos de Durero y sus copias. Este es uno de los primeros antecedentes del derecho a protección de la propiedad intelectual.

La producción pictórica de Durero es más escasa debido en parte al tiempo que requería cada obra en diseño y ejecución. Durero contó desde fecha temprana con ilustres clientes, como Maximiliano I, lo que le aseguró una estabilidad económica que le permitió concentrarse en los encargos más ambiciosos y dedicarles el tiempo necesario. Sus pinturas se acumularon inicialmente en unas pocas colecciones e iglesias, por lo que la rápida difusión de su arte se debió al medio gráfico.

Durero produjo y distribuyó sus grabados con una sagaz visión comercial. Las imágenes más sofisticadas, en muchos casos alegóricas y/o de desnudo, las grababa él personalmente a buril hasta el último detalle, con una técnica extenuante y perfeccionista, y se vendían a precios elevados. Y paralelamente, Durero diseñaba decenas de xilografías, mayormente de tema religioso y de simbología más accesible, que eran grabadas en los tacos por entalladores profesionales. Usualmente estas matrices eran de madera de peral, muy resistente, por lo que permitían ediciones de muchos ejemplares y se siguieron imprimiendo durante siglos. Algunos de los tacos originales se conservan hoy en día en museos como el Británico de Londres y el Metropolitan Museum de Nueva York.

La influencia de Durero llegó, por medio de sus grabados, a los talleres de casi todos los artistas; se puede afirmar que no hubo ningún pintor europeo de relevancia que no acusara, de un modo u otro, el conocimiento de las estampas durerianas. Ejemplos de ello son dos cuadros del Museo del Prado: El Pasmo de Sicilia de Rafael Sanzio y La Trinidad del Greco, inspirados claramente en xilografías de Durero sobre los mismos temas. Siglos después, pintores españoles como Zurbarán y Goya siguieron delatando la influencia dureriana; de hecho el último cuadro conocido de Zurbarán, La Virgen con el Niño y san Juanito (1662, Museo de Bellas Artes de Bilbao) se inspiró en el grabado La Virgen del mono que Durero había realizado hacia 1498. 

Libros publicados

 

En todos sus trabajos teóricos, con el fin de comunicar sus teorías en el idioma alemán y no en latín, Durero utilizó expresiones gráficas y usando la lengua vernácula, el idioma comprensible para los artistas y artesanos. Por ejemplo, "Schneckenlinie" ("línea en caracol") fue su término para una forma de espiral. Por lo tanto, Durero contribuyó a la expansión de la prosa alemana que Martin Luther había comenzado con su traducción de la Biblia. 

Los Cuatro Libros de la Medida

 

Durero utiliza a menudo el Sistema diédrico.

 

 

Su título original es Underweysung der Messung, mit dem Zirckel un[d] Richtscheyt, in Linien Ebnen vnnd gantzen Corporen (Los cuatro libros sobre medición. Instrucciones de medición con compás y regla ). Gedruckt zů Nüremberg : [editor no identificado], enero de 1525.

La obra de Durero de geometría se divide de la siguiente manera: El primer libro se centra en la geometría lineal. Construcciones geométricas de Durero incluyen hélices , concoides y epicicloides . También se basa en Apolonio , y en el libelo de Johannes Werner de 1522 "Super viginti duobus elementis conicis". El segundo libro se mueve acerca de las dos geometrías dimensionales, es decir, la construcción de regulares polígonos . Aquí Durero favorece los métodos de Ptolomeo sobre Euclides . El tercer libro aplica los principios de la geometría de la arquitectura, la ingeniería y la tipografía . En arquitectura Dürer cita a Vitruvio pero elabora sus propios diseños y clásicas columnas. En tipografía, Durero realiza la construcción geométrica del alfabeto latino, basándose en precedentes italianos. Sin embargo, su construcción del alfabeto gótico se basa en una forma completamente diferente y modular de sistema. El cuarto libro completa la progresión de la primera y segunda parte abarcando las formas tridimensionales y la construcción de poliedros. En ella Durero analiza los cinco sólidos platónicos , así como los siete sólidos semi-regulares de Arquímedes, así como varios de su propia invención. En todo esto, Durero muestra los objetos como redes. Por último, Durero analiza el problema de Delos y pasa a la 'construzione legittima', un método de representar un cubo en dos dimensiones a través de la perspectiva lineal. Fue en Bolonia donde Durero aprendió (posiblemente por Luca Pacioli o Bramante ) los principios de la perspectiva lineal , y, evidentemente, se familiarizó con el "costruzione legittima" en un análisis escrito de estos principios el cual sólo se encuentran, en este momento, en el tratado no publicado de Piero della Francesca. Él también estaba familiarizado con la "construcción abreviada" como se describe en Alberti y la construcción geométrica de las sombras, una técnica de Leonardo da Vinci. Aunque Durero no hizo ninguna innovación en estas áreas, es notable como la primera del norte de Europa para el tratamiento de las cuestiones de la representación visual de una manera científica, y con la comprensión de los principios de Euclides. Además de estas construcciones geométricas, Durero discute en este último libro de Underweysung der Messung una variedad de mecanismos para el dibujo en perspectiva de los modelos y proporciona ilustraciones de grabado de estos métodos que a menudo se reproducen en las discusiones de la perspectiva. 

Cuatro Libros de la proporción humana

 

Portada de Vier Bücher von menschlicher Proportion con el monograma de la firma de Alberto Durero.

Su título original es Vier Bücher von menschlicher Proportion. Núremberg: Formschneider (Jeronymus), 1528. 

La obra de Durero sobre las proporciones humanas se llama los Cuatro Libros de la proporción humana. El primer libro fue compuesto principalmente entre 1512-1513 y completado por 1523, en el que muestra cinco tipos diferentes de figuras masculinas y femeninas, todas las partes del cuerpo expresan en fracciones de la altura total. Durero basa estas construcciones tanto en Vitruvio y las observaciones empíricas de "doscientas o trescientas personas vivas", en sus propias palabras. El segundo libro incluye otros ocho tipos, desglosados no en fracciones sino en el sistema albertiano, que Durero probablemente aprendió de Francesco di Giorgio De armónica totius mundi de 1525. En el tercer libro, Durero da principios por los que las proporciones de las figuras se pueden modificar, como la simulación matemática convexa y espejos cóncavos, aquí Durero también trata la fisonomía humana. El cuarto libro está dedicado a la teoría del movimiento.

Aneja al último libro, sin embargo, es un ensayo autónomo en la estética, que Durero trabajó entre 1512 y 1528, y es aquí donde podemos conocer sus teorías sobre la "belleza ideal". Durero rechazó el concepto de belleza objetiva de Alberti, que propone una idea relativista de la belleza basada en la variedad. Sin embargo, Durero seguía creyendo que la verdad se oculta dentro de la naturaleza, y que no había reglas que ordenaron la belleza, a pesar de que le resultaba difícil de definir los criterios de dicho código. En 1512-1513 los tres criterios fueron la función ('Nutz'), la aprobación ingenua ('Wohlgefallen') y el término medio ('Mittelmass'). Sin embargo, a diferencia de Alberti y Leonardo, Durero estuvo más preocupado por comprender no sólo las nociones abstractas de la belleza, sino también de cómo un artista puede crear imágenes hermosas. Entre el 1512 y el proyecto definitivo en 1528, Durero desarrolló la comprensión de la creatividad humana espontánea o inspirada en un concepto de "síntesis interna selectiva". En otras palabras, que un artista se basa en una gran cantidad de experiencias visuales para imaginar las cosas bellas. La creencia de Durero en la capacidad del artista y en su inspiración le llevó a afirmar que «un hombre puede dibujar algo con su pluma en medio de una hoja de papel en un día, o se puede cortar en un pequeño trozo de madera con su pequeño hierro, y resulta ser mejor y más artístico que el trabajo de otro en el que su autor trabaja con la mayor diligencia durante todo un año». 

Obras

 

Autorretrato (1500), Pinacoteca Antigua de Múnich.

 

 

San Cristóbal, grabado, 1521.

 

 

Las obras más conocidas de Durero son:

• Autorretrato a punta de plata (1484, Albertina)
• Cementerio del San Juan (acuarela y gouache, h. 1489, museo de Bremen)
• Retrato de Albrecht Dürer el viejo (1490-1497, Florencia, Uffizi)
• Autorretrato (1493, París, Museo del Louvre)
• Acuarelas (1495): Wehlsch Pirg (Oxford, Museo Ashmolean), Col alpino (monasterio del Escorial), Estanque en el bosque (Museo Británico), Vista del Arco (Louvre)
• El Cangrejo (h. 1495, Rótterdam, Museo Boymans Van Beuningen)
• Retablo de Wittenberg (1496-1497, Dresde, Gemäldegalerie)
• La Virgen adorando al Niño o Virgen en adoración delante del Niño (1496-1497, Dresde, Gemäldegalerie)
• Retrato de Federico el Sabio (1496, Berlín, Staatliche Museen)
• Grabados: Apocalipsis (1498, ejemplos en el Louvre, Fondo Rothschild; Londres, Palacio de Buckingham)
• Madonna Haller (1498, Washington, Galería Nacional de Arte)
• Autorretrato (1498, Madrid, Museo del Prado)
• Retrato de Oswolt Krel (1499, Múnich, Alte Pinakothek)
• Autorretrato o Autorretrato «cristológico» (1500, Múnich, Alte Pinakothek)
• La lamentación de Cristo o Lamentación sobre Cristo muerto (h. 1500, Múnich, Alte Pinakothek)
• Retablo Paumgartner (1502-1504, Múnich, Alte Pinakothek)
• la Gran mata de hierba (1503, Albertina)
• Adoración de los Magos o La adoración de los Magos (1504, Florencia, Uffizi)
• Retrato de una joven veneciana (1505, Viena, Kunsthistorisches)
• Fiesta del Rosario (1506, Praga, Galería Nacional; originariamente en Venecia)
• Virgen del canario (1506, Berlín, Staatliche Museen)
• Jesús entre los doctores (1506, Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza)
• Adán y Eva (1507, Madrid, Museo del Prado)
• El martirio de los diez mil cristianos (1507-1508, Viena, Kunsthistorisches)
• Adoración de la Trinidad (1511, Viena, Kunsthistorisches)
• la Corneja azul (1512, Viena, Albertina)
• Grabados: El caballero, la Muerte y el Diablo y La melancolía (1513-1514, Estrasburgo, Gabinete de estampas y dibujos; Colmar, Museo de Unterlinden) que pudieron formar una serie con San Jerónimo en su gabinete; Rinoceronte (1515, Londres, Museo Británico)
• Retrato de Maximiliano de Habsburgo o Retrato del emperador Maximiliano I (1519, Viena, Kunsthistorisches)
• Santa Ana, la Virgen y el Niño (1519, Nueva York, Metropolitan Museum)
• Retrato de desconocido (1524, Madrid, Museo del Prado)
• El diluvio (acuarela, 1525, Viena, Albertina)
• Cuatro apóstoles (1526, Múnich, Alte Pinakothek)
• Retrato de Jerónimo Holzchuher (1526, Berlín, Staatliche Museen)
• Retrato de Jacob Muffel (1526, Berlín, Staatliche Museen)

UNA DESCONOCIDA SOPRANO Y ACTRIZ ITALIANA DE RENOMBRE

Natalina "Lina" Cavalieri (Viterbo, Italia, 25 de diciembre de 1874-Florencia, 7 de febrero de 1944) fue una soprano italiana, también conocida por sus facetas como actriz y monologuista

Biografía

Lina Cavalieri nació en el día de Navidad de 1874 en Rieti, localidad a unos 80 kilómetros al norte de Roma.​ Perdió a sus padres con quince años de edad, quedando tutelada por el estado, por lo que fue enviada a un orfanato católico. La vivaz joven era infeliz bajo la disciplina estricta de las monjas, y a la primera oportunidad se escapó con un grupo teatral de visita en la ciudad.

Siendo todavía muy joven, llegó a París, donde su agraciado aspecto le abrió muchas puertas, obteniendo trabajo como cantante en un café-concierto de la ciudad. De allí pasó a actuar en una gran variedad de salas de música y otros locales por toda Europa, mientras trabajaba para perfeccionar su voz. Tomó lecciones de canto e hizo su debut en la ópera en Lisboa en 1900 (en el papel de Nedda, en la obra Pagliacci). Ese mismo año se casó con su primer marido, el Príncipe ruso Alexandre Bariatinsky. En 1904, cantó en la Ópera de Montecarlo, y en 1905, en el Teatro Sarah Bernhardt de París, Cavalieri protagonizó como coprotagonista con Enrico Caruso la ópera Fedora de Umberto Giordano. Desde allí, también con Caruso, se dirigió a Nueva York, debutando con él en la Ópera Metropolitana el 5 de diciembre de 1906.

Cavalieri en 1909

Cavalieri permaneció en cartel en la Ópera Metropolitana durante las dos siguientes temporadas, actuando otra vez con Caruso en 1907, en Manon Lescaut, de Puccini. Se convirtió en una de las estrellas más fotografiadas de su época. Frecuentemente citada como "la mujer más bella del mundo", era seguidora del tightlacing, práctica femenina consistente en el uso prolongado de corsés muy apretados para adquirir una silueta en forma de "reloj de arena", con una cintura muy estrecha.

Durante la temporada 1909–1910, cantó con la Compañía de Ópera de Manhattan de Oscar Hammerstein I. Mucho tiempo después de su primer matrimonio, sostuvo un tempestuoso idilio con Robert Winthrop Chanler (1872–1930), un miembro de las familias Astor y Dudley–Winthrop. Se casaron el 18 de junio de 1910, pero se separaron al final de la luna de miel, y su divorcio se produjo finalmente en junio de 1912.

Después del divorcio, Cavalieri regresó a Europa, donde se convirtió en una estrella adorada por el público tanto en el San Petersburgo previo a la Revolución Rusa como en Ucrania. Otras óperas incluidas en su repertorio fueron La bohème, La traviata, Fausto, Manon, Andrea Chénier, Thaïs, Los cuentos de Hoffmann (como la cortesana Giulietta), Rigoletto, Mefistófeles (como Margarita y Elena), Adriana Lecouvreur, Tosca, Herodías (como Salomé), Carmen (en el papel protagonista), Siberia, y Zazà.

Durante su carrera, Cavalieri cantó con otros cantantes prominentes, incluyendo a Giuseppe Anselmi, Mary Garden (en la premiere mundial de la obra Chérubin de Massenet en 1905), Mattia Battistini, Titta Ruffo, Fiódor Chaliapin, Nikolay Figner, Antonio Scotti, Vanni Marcoux, Giovanni Zenatello, Tito Schipa, y el tenor francés Lucien Muratore, con quien se casó en 1913 después de su divorcio de la soprano Marguerite Bériza. Después de retirarse de la escena, Cavalieri regentó un salón de belleza en París. En 1914, en vísperas de su cuadragésimo cumpleaños, con una belleza todavía espectacular, escribió una columna de consejos sobre maquillaje para mujeres en la revista Femina y publicó un libro, Mis Secretos de Belleza. En su parisiense Institut de Beauté, promocionó los cosméticos de la marca Parfums Isabey Paris, desarrollando en 1926 una gama de sus propios productos de belleza. El mismo año, lanzó su perfume, llamado "Mona Lina", aparentemente inspirado en la Mona Lisa de Leonardo da Vinci. En 1915 regresó a su Italia natal para rodar películas. Con el comienzo de la Primera Guerra Mundial, se trasladó a los Estados Unidos, donde filmó otras cuatro películas mudas. Sus últimas tres películas fueron producidas por su amigo, el director cinematográfico belga Edward José. Casi todas sus filmaciones están consideradas como películas perdidas.

Después de casarse con su cuarto marido, Paolo d'Arvanni, fijó con él su residemcia en Italia. Ya sexagenaria cuando comenzó la Segunda Guerra Mundial, se alistó como enfermera voluntaria. Cavalieri murió el 8 de febrero de 1944, víctima de un bombardeo aliado que destruyó su casa de Florencia próxima a Poggio Imperiale, donde estaba retenida bajo vigilancia policial debido a su marido extranjero. Oyendo el sonido de un bombardero estadounidense cercano, Cavalieri, su marido y los criados corrieron al refugio subterráneo, pero Cavalieri y su marido se retrasaron para recoger de la casa sus valiosas joyas.​ Tanto Cavalieri como su marido murieron intentando alcanzar el refugio, mientras que todos los criados sobrevivieron.

Legado

La discografía de Lina Cavalieri es escasa. En 1910, grabó para Columbia arias de La bohème, Tosca, Manon Lescaut, Carmen, Mefistófeles, y Fausto, así como la canción, "Maria, Marì! (Ah! Marì! Ah! Marì!)." En 1917, para Pathé, la soprano grabó "Le rêve passé," con Muratore. Para American Pathé grabó arias de Carmen y Herodías.

Fue retratada por el artista italiano Giovanni Boldini (cuadro adquirido por Maurice Rothschild); y por el artista suizo-estadounidense Adolfo Müller-Ury (1862–1947). Este último retrato es ahora propiedad de la Ópera Metropolitana, donado por Nicholas Meredith Turner en memoria de su mujer, la soprano Jessica Dragonette. El rostro que aparece repetidamente, de forma casi obsesiva, en los diseños de Piero Fornasetti, es el de Cavalieri.

En 1955, Gina Lollobrigida encarnó a Cavalieri en la película "Beautiful But Dangerous" (Bonita pero Peligrosa) (también conocida como "The World's Most Beautiful Woman").

En 2004, Paul Fryer y Olga Usova publicaron el libro titulado "Lina Cavalieri: The Life of Opera’s Greatest Beauty, 1874—1944." (Lina Cavalieri: La Vida de la Belleza más Grande de la Ópera, 1874—1944). 

 

Familia  

De su primer matrimonio con Alexandre Bariatinsky, Lina tuvo un hijo, Alexandre Bariatinsky, Jr., que sirvió en el Ejército Italiano a comienzos de la Primera Guerra Mundial, cuando Lina se dirigió a las autoridades para intentar visitarle.

 

Películas

 

En la obra muda "A Woman of Impulse" (Una Mujer de Impulso), Lina Cavalieri recibe a Raymond Bloomer, de rodillas, y a Robert Cain, en traje de fiesta.

The Shadow of Her Past (1916)

• Manon Lescaut (1914)
• The Shadow of Her Past (1915)
• The Rose of Granada (1916)
• The Eternal Temptress (1917)
• Love's Conquest (1918)
• A Woman of Impulse (1918)
• The Two Brides (1919)
• The Crushed Idol (1920)

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Gina Lollobrigida, nacida como Luigia o Luigina Lollobrigida (Subiaco, Lacio, 4 de julio de 1927) es una actriz italiana de cine y televisión, reconocida con diversos galardones como cinco premios David de Donatello (dos de ellos honoríficos) y un Globo de Oro. Eterna rival de Sophia Loren, alcanzó tal fama que sería llamada en Italia «La Lollo». Según sus propias declaraciones, se hizo actriz por una serie de casualidades; su vocación inicial era la de la dedicación a las artes plásticas, y de hecho sigue trabajando la escultura y la fotografía.

Biografía y carrera

 

Infancia

 

Gina fue una de las cuatro hijas de un fabricante de muebles (sus hermanas se llamaban Giuliana, Maria y Fernanda). Pasaron su juventud en una pintoresca villa montañosa de Italia. En un bombardeo aliado durante la Segunda Guerra Mundial, el negocio familiar quedó destruido. Concluido el conflicto armado, la familia se trasladó a Roma y allí empezó Gina sus estudios de arte (pintura y escultura). 

Inicios en el cine

 

Ya en su adolescencia Gina trabajó como modelo en algunos desfiles de ropa, y participó con éxito en diversos concursos de belleza. Ya por esta época, empezaba a aparecer en filmes en Italia. En el año 1947 logró la tercera posición en el concurso de Miss Italia. El concurso fue ganado por Lucia Bosè y el segundo puesto recayó en Gianna Maria Canale, mientras que otra futura actriz, Eleonora Rossi Drago, fue descalificada porque estaba casada y era madre, condiciones que chocaban con el reglamento del concurso. Otra de las participantes fue Silvana Mangano. Este evento fue muy importante para la carrera de Gina Lollobrigida ya que le dio un renombre que le abriría las puertas del éxito.

Se rumoreó que, tras verla en un film italiano, el excéntrico millonario Howard Hughes voló desde Hollywood en 1947 para verla, pero tal visita no hizo que ella se trasladara a los Estados Unidos: Gina permaneció en Italia, y en 1949 se casó con un médico esloveno llamado Milko Škofič. Con él tendría un hijo: Andrea Milko (Milko Škofič Jr.), pero la pareja terminó divorciándose en 1971.

En 1950 Gina accedió a viajar a Hollywood contratada por Hughes, quien la acomodó en el hotel Town House de Wilshire Boulevard. Pero ella entonces hablaba muy poco inglés, y al cabo de seis semanas regresó a su casa por sentirse «vigilada permanentemente» por él. En estos años, trabajó en filmes italianos de directores como Luigi Zampa y Alberto Lattuada. Pero si atrajo la atención de los productores de Hollywood fue gracias a éxitos más taquilleros como Pan, amor y fantasía de Luigi Comencini (junto a Vittorio de Sica), por el cual fue nominada al premio BAFTA, y Fanfan la Tulipe (1952), de Christian-Jacque (junto a Gerard Philipe). 

Raymond Pellegrin y Gina Lollobrigida en un fotograma de la película de 1954 La romana, de Luigi Zampa (1905 - 1991).    

Debut en Hollywood

 

El debut de Gina Lollobrigida en la industria estadounidense fue inmejorable: con un papel relevante en La burla del diablo (Beat the Devil, 1953), filme de John Huston rodado en Italia, donde compartió cartel con Humphrey Bogart y Jennifer Jones. Luego protagonizó la coproducción franco-italiana El gran juego de Robert Siodmak, y Crossed Swords con Errol Flynn, y fue alternando trabajos entre Hollywood e Italia.

A medida que su fama iba creciendo, Lollobrigida ganaba más seguidores para ser considerada «la mujer más bella del mundo». Esta expresión recayó en ella por doble razón: era el título de una película en la que representó el papel principal, La mujer más guapa del mundo (La donna più bella del mondo, 1955), de Robert Z. Leonard, donde se codeó con Vittorio Gassman. El filme trata de la vida de la vedette, soprano y actriz cinematográfica Lina Cavalieri. ​Con este trabajo, Gina ganó el nuevo premio David de Donatello, instituido ese mismo año por la Academia de Cine italiana. Por posteriores filmes ganaría otros dos, aparte de dos honoríficos.

 

 

Apogeo en Hollywood

 

La etapa de esplendor de Gina Lollobrigida en el cine duró unos quince años, entre mediados de la década de 1950 y principios de los 70.

Hizo una aparición notable en el film Trapecio (1956) con Burt Lancaster y Tony Curtis, y ese mismo año protagonizó Nuestra Señora de París, adaptación de la popular novela de Victor Hugo sobre el jorobado de Notre Dame. En dicha película encarnó a la bella Esmeralda, mientras que el papel de Quasimodo lo hizo Anthony Quinn.

En 1958 rodó en España la superproducción Salomón y la reina de Saba de King Vidor, un proyecto que se vio afectado por el repentino fallecimiento del protagonista masculino, Tyrone Power. Tras varias semanas de paralización del rodaje, le sustituyó Yul Brynner, teniendo que repetirse las partes ya rodadas por Power, salvo algunas escenas de lejos, que se aprovecharon. La película no incurrió en pérdidas porque la firma Lloyd's of London, con la cual se había suscrito un seguro, respondió pagando 100.000 dólares por cada semana de demora; y tras su estreno Salomón y la reina de Saba alcanzó un notable éxito de taquilla: 12,2 millones recaudados frente a los 5 de presupuesto. 

Foto de 1965, publicada en la revista Radiocorriere.    

Los siguientes años fueron de mucha actividad para la actriz italiana. En 1959, trabajó con Frank Sinatra y Paul Henreid en Never So Few (se rumoreó que en este rodaje tuvo un affaire con Sinatra) y también rodó La ley con el francés Yves Montand. En 1961 hizo Desnuda frente al mundo, con Anthony Franciosa y Ernest Borgnine, y uno de los más populares films, Cuando llegue septiembre (Tuya en septiembre), con Rock Hudson, por el cual ganó el Henrietta Award, premio especial de los Globos de Oro. En 1965 volvió a colaborar con Rock Hudson en Strange Bedfellows (Habitación para dos). En 1962 encarnó a Paulina Bonaparte en Venus imperial (junto a Stephen Boyd), papel con el cual ganó su segundo premio David de Donatello. En 1964 rodó con Sean Connery el thriller Woman of Straw (La mujer de paja), y en 1966 trabajó con Alec Guinness en el film Hotel Paradiso. En este mismo año interpretó a una prostituta en el filme Cervantes, sobre el famoso escritor español, donde trabajó junto a Horst Buchholz, José Ferrer, Paco Rabal y Fernando Rey bajo dirección de Vincent Sherman.

En 1968, acompañada por Shelley Winters, Phil Silvers y Telly Savalas, Gina representó el papel principal en Buona Sera, Señora Campbell, película cuyo argumento inspiraría décadas después el musical Mamma Mia!, luego llevado al cine. Con este filme ganó su tercer David de Donatello.

Aunque tuvo un gran éxito en Hollywood, Gina nunca fue candidata a los Oscar, pero buena prueba de su popularidad es que fue elegida para entregar a Billy Wilder el premio a la mejor dirección por la película The Apartment en la 33.ª Ceremonia de los Oscar (1961). 

Década de 1970

 

A principios de los años 70, su carrera fílmica perdió pujanza a pesar de haber rodado dos comedias con Bob Hope y David Niven; e hizo sólo algunas apariciones, en producciones por lo general menores. Estrechó contactos con el cine español: en 1971 rodó un spaghetti western de Eugenio Martín, El hombre de Río Malo, junto a James Mason y Lee van Cleef, y en 1973 No encontré rosas para mi madre, de Rovira-Beleta, donde se codeó con Danielle Darrieux. Avanzada la década redujo su actividad en el cine mientras retomaba su faceta como fotógrafa y escultora.

En el ámbito televisivo, en 1972 participó en la serie Las aventuras de Pinocho, dirigida por Luigi Comencini. 

Actividad artística: fotografía y escultura

 

Foto tomada el 5 de junio de 1979.

En esta época se embarcó en la que llegaría a ser una exitosa carrera de fotógrafa de prensa. Entre otras, tomó instantáneas de Paul Newman, Audrey Hepburn, Salvador Dalí y de la selección de fútbol de Alemania Federal, y llegó a tener una entrevista periodística en exclusiva con Fidel Castro. En 1973 se publicó en Italia Mia una colección de trabajos de Gina Lollobrigida.

Se dedicó a otros intereses, incluyendo la escultura. En 1978, hizo gala de su madura belleza siendo miembro del jurado en el XIX Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, en el que anunció a Chile como ganador del certamen.

 

Reaparición en Falcon Crest y última etapa

 

Fue en el año 1984 cuando Gina Lollobrigida retornó triunfalmente a las pantallas de televisión de Estados Unidos formando parte de algunos capítulos de Falcon Crest en el papel de Francesca Gioberti. Con casi 60 años de edad, mostró un espléndido estado de forma: en una escena de la serie bailó la tarantella, y por su papel fue nominada a un Globo de Oro a la mejor actriz no protagonista. En realidad, su papel iba a permanecer la mayor parte de los episodios de la cuarta temporada en una sustitución rápida de Sophia Loren, primera elección ya apalabrada para el papel de Francesca. Sin embargo, la negativa de ultimisima hora de Sophia y, ante la obligatoriedad de que el personaje tenía que ser ostensiblemente italiano (cuna de la familia protagonista de la serie) los productores llegaron a negociaciones rápidas con Lollobrigida. Sin embargo, a pesar del despliegue publicitario de la incorporación de Gina como personaje fijo y del enorme guardarropa que se le preparó para la cuarta temporada (en directa competencia a Alexis Carrington de 'Dinastía'), sorprendentemente solamente intervino en cinco episodios. Para más inri, en el sexto episodio en el que su personaje aparece, el de su rápida despedida al aeropuerto, realmente únicamente lo hace entre sombras dentro de una limusine, a pesar de los dialogos que Richard mantiene con ella, el personaje de Francesca se mantiene en silencio para no delatar que estaba interpretado por una extra pues Gina ya había abandonado días antes el set.

En 1986 participó en dos episodios de la igualmente popular serie Vacaciones en el mar (The Love Boat).

En 1990 recibe el ASP International Award de American Society of Photographers por su trayectoria en la fotografía.

Hizo algunas apariciones menores en los años 90 y en 1996 ganó un premio David de Donatello especial en reconocimiento a su carrera. Diez años después ganaría otro, en conmemoración al primero que había obtenido cincuenta años antes, en la primera edición de los premios.

En 1999 hizo su incursión en la política, pero no salió bien parada en las elecciones al Parlamento Europeo ya que no logró ninguno de los 87 asientos asignados a Italia. Tuvo además cargos en empresas de cosmética y de moda. Virtualmente retirada de los escenarios, no ha realizado un film desde 1997.

En el 16 de octubre de 1999, Gina Lollobrigida fue nombrada Embajadora de Buena Voluntad de la Organización de las Naciones Unidas para la Agricultura y la Alimentación (FAO).

En abril de 2000 se publicaron estas afirmaciones suyas en la Parade Magazine:

Estudié pintura y escultura en la escuela y me hice actriz por error.... He tenido muchos amantes y romances. Estoy muy cansada. En toda mi vida sólo he tenido demasiados amantes.

2006-13: extraño anuncio de boda... ¿y estafa?

En octubre de 2006 a la edad de 79 años, Gina anunció a la revista del corazón española ¡Hola! el romance con el empresario español Francisco Javier Rigau y Rafols, ​ de 45 años entonces, y su intención de casarse a finales de ese año. Explicó que se conocían desde muchos años antes, pues se encontraron en una fiesta en el año 1984, y que tuvieron posteriormente citas en secreto, si bien muchas fuentes pusieron en duda tal afirmación, por la corta edad de Rigau. La fecha de la boda se fijó para el 6 de diciembre de 2006 debido a la presión insistente de los medios, pero luego se suspendió y la relación se rompió, según ellos porque el acoso periodístico la dificultaba.

En enero de 2013, la pretérita relación entre la actriz y Rigau volvía a ser noticia cuando ella desveló una presumible estafa: Rigau había escenificado (ayudado por una impostora caracterizada como Gina) una boda civil en Barcelona. ​ Con tan rocambolesco plan Rigau pretendería (si las acusaciones son ciertas) ganarse la condición de heredero de la actriz. Según explican varios medios de comunicación, años antes Rigau había conseguido que Lollobrigida firmase (mediante engaño) unos papeles que formalizaban la boda o al menos unos poderes para heredar. Esta hipótesis fue muy cuestionada, puesto que la fortuna de Rigau siempre había sido muy superior a la de Lollobrigida. El 9 de mayo de 2014, la actriz acudió a testificar a un juzgado de Barcelona, donde reiteró que en ningún momento ha formalizado una unión matrimonial con Rigau y exigió que se efectuasen pruebas caligráficas. 

Filmografía

 

Cine

 

• 1946:
  • Águila negra (Aquila nera, 1946), que es una adaptación de la novela de Aleksandr Pushkin El bandido Dubrovski (Дубровский), escrita en 1832 y publicada en 1841;⁷​ la película fue dirigida por Riccardo Freda.
  • Lucía de Lammermoor (Lucia di Lammermoor), adaptación dirigida por Piero Ballerini de la ópera homónima; Lollobrigida no figura en el elenco oficial.
• 1947:
  • L'elisir d'amore, adaptación dirigida por Mario Costa de la ópera homónima.
  • Il delitto di Giovanni Episcopo, de Alberto Lattuada.
  • Il segreto di Don Giovanni, de Camillo Mastrocinque.
  • A Man About the House, de Leslie Arliss.
• 1948:
  • Follie per l'opera, de Mario Costa.
  • Pagliacci, adaptación dirigida por Mario Costa de la ópera homónima; Lollobrigida encarnó al personaje de Nedda, esposa de Canio.
  
  
  

Fotograma de la película de 1949 Campane a martello, de Luigi Zampa: Eduardo De Filippo, Gina Lollobrigida e Yvonne Sanson (1926 - 2003).    

• 1949:
  • Campane a martello, de Luigi Zampa.
  • La sposa non può attendere, de Gianni Franciolini.
• 1950:
  • Miss Italia, de Duilio Coletti.
  • Cuori senza frontiere, de Luigi Zampa.
  • Alina, de Giorgio Pàstina.
  • Vida de perros (Vita da cani), de Mario Monicelli y Steno.
• 1951:
  • La città si difende, de Pietro Germi.
  • Enrico Caruso, leggenda di una voce, película sobre el tenor italiano; fue dirigida por Giacomo Gentilomo.
  • A Tale of Five Cities, o Passaporto per l'oriente (en los Estados Unidos, A Tale of Five Women), película de seis episodios, con distinto director cada uno; Gina Lollobrigida y Marcello Mastroianni tuvieron pequeños papeles en el primer episodio, titulado Roma (Rome) y dirigido por Romolo Marcellini.
  • Atención, ¡bandidos! (Achtung! Banditi!), de Carlo Lizzani.
  • Amor non ho... però... però, de Giorgio Bianchi.
  
  

Gina Lollobrigida y Gino Cervi en un fotograma de Moglie per una notte (1952).    

Con Renato Tontini en la película de 1954 La romana.    

• 1952:
  • Moglie per una notte, de Mario Camerini.
  • Fanfan la Tulipe, de Christian-Jaque.
  • Altri tempi - Zibaldone n. 1, película de episodios dirigida por Alessandro Blasetti; Lollobrigida actúa en el noveno, que es el último y se titula Il processo di Frine.
  • Les Belles de nuit o Le belle della notte, de René Clair.
• 1953:
  • Le infedeli, de Mario Monicelli y Steno.
  • La provinciale, de Mario Soldati.
  • Pan, amor y fantasía (Pane, amore e fantasia), de Luigi Comencini.
  • La burla del diablo (Beat the Devil), de John Huston.
• 1954:
  • El gran juego (Le grand jeu), de Robert Siodmak.
  • Espadas cruzadas (Crossed Swords o Il maestro di Don Giovanni), de Milton Krims.
  • La romana, que es adaptación de la novela homónima de 1947, escrita por Alberto Moravia; la película fue dirigida por Luigi Zampa.
  • Pan, amor y celos (Pane, amore e gelosia), de Luigi Comencini.

Fotogramas de la película de 1954 La romana.

Con Franco Fabrizi.

Riccardo Garrone (1926 - 2016), Daniel Gélin, G. Lollobrigida y Xenia Valderi (Xenia Valdameri Boncelli: n. 1926).

Gina Lollobrigida y Daniel Gélin.              

• 
  

Yul Brynner y Gina Lollobrigida en un fotograma del reclamo de la película Salomón y la reina de Saba (1959).    

 

1955: La mujer más guapa del mundo (La donna più bella del mondo), de Robert Z. Leonard, que trata de la vida de la vedette, soprano y actriz cinematográfica Lina Cavalieri

 

 

• •  

    1956:
    : Trapecio (Trapeze), de Carol Reed.
• 1957:
  • Nuestra Señora de París (Notre Dame de Paris), que es adaptación de la novela homónima escrita por Victor Hugo; la película fue dirigida por Jean Delannoy.
• 1958:
  • Anna di Brooklyn, de Vittorio De Sica y Carlo Lastricati.
• 1959:
  • La ley (La legge), de Jules Dassin.
  • Salomón y la reina de Saba (Solomon and Sheba), de King Vidor.
  • Cuando hierve la sangre (Never So Few), de John Sturges.
  
  

Cartel de Reynold Brown para Desnuda frente al mundo (1961).      

• 1961:
  • Desnuda frente al mundo (Go Naked in the World), de Ranald MacDougall.
  • Cuando llegue septiembre (Come September), de Robert Mulligan.
• 1962:
  • La belleza de Hipólita (La bellezza di Ippolita), de Giancarlo Zagni.
  • Venere imperiale, de Jean Delannoy.
• 1963:
  • Mare matto, de Renato Castellani.
• 1964:
  • La mujer de paja (Woman of Straw), de Basil Dearden.
• 1965:
  • Las cuatro muñecas (Le bambole), película de episodios; Lollobrigida actúa en el cuarto y último: Monsignor Cupido, dirigido por Mauro Bolognini.
  • Beldades nocturnas (Les Belles de Nuit) de Rene Clair.
  • Habitación para dos (Strange Bedfellows), de Melvin Frank.
• 1966:
  • Yo, yo, yo... y los demás (Io, io, io... e gli altri), de Alessandro Blasetti.
  • Hotel Paradiso, de Peter Glenville.
  • Los sultanes (Les Sultans), de Jean Delannoy.
  • Los placeres de la noche (Le piacevoli notti notti), de Armando Crispino y Luciano Lucignani.
• 1967:
  • Cervantes, película que fantasea sobre la juventud de Miguel de Cervantes: el personaje del escritor (interpretado Horst Buchholz) tiene una relación con una prostituta (interpretada por Gina Lollobrigida); de la dirección se encargó Vincent Sherman.
  • Dos menos uno, tres (La morte ha fatto l'uovo), de Giulio Questi.
• 1968:
  • Cerveza para todos (The Private Navy of Sgt. O'Farrell), de Frank Tashlin.
  • Stuntman, de Marcello Baldi.
  • Un bellissimo novembre, de Mauro Bolognini.
• 1968:
  • Buona Sera, Mrs. Campbell, de Melvin Frank.

• 1971:
  • El hombre de Río Malo (Bad Man's River), de Eugenio Martín.
• 1972:
  • King, Queen, Knave, de Jerzy Skolimowski.
• 1973:
  • No encontré rosas para mi madre, de Rovira-Beleta.
• 1995:
  • Las cien y una noches (Les cent et une nuits de Simon Cinéma), de Agnès Varda.
• 1997:
  • XXL, de Ariel Zeitoun.
• 2011:
  • Box Office 3D - Il film dei film, de Ezio Greggio: se ve a Gina Lollobrigida en un cameo.

 

Televisión

 

• 1972:
  • Miniserie Las aventuras de Pinocho (Le avventure di Pinocchio), basada en la novela homónima escrita por Carlo Collodi: en esta adaptación, dirigida por Luigi Comencini y transmitida por primera vez por la RAI, Gina Lollobrigida encarnó al Hada Azul.
• 1984:
  • Serie Falcon Crest: Lollobrigida intervino en 5 episodios interpretando el personaje de Francesca Gioberti.
• 1985:
  • Telefilme El engaño (Deceptions), dirigido por Robert Chenault y Melville Shavelson.
• 1986:
  • Serie The Love Boat: Lollobrigida intervino en 2 episodios.
• 1988:
  • Miniserie La romana, que es adaptación de la novela de Moravia que ya había sido llevada al cine; esta versión televisiva fue dirigida por Giuseppe Patroni Griffi.
• 1996:
  • Telefilme Una donna in fuga, de Roberto Rocco.